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Maifeld-Derby – 01.06.2014 – Mannheim

girls in hawai

Das Maifeld-Derby 2014 ist Geschichte und die Macher des Festivals blicken auf das bis dato erfolgreichste Festivaljahr zurück. Über drei Tage bespielten insgesamt 60 Bands die fünf Bühnen des Festivals und boten dabei einen breiten Einblick in die Welt und den Variantenreichtum der Independent Musik. Außerdem gab es für das Maifeld eine besonders erfreuliche Premiere: Gutes Wetter! Im Gegensatz zum vergangenen Jahr hatte sich die Anordnung der Bühnen marginal verändert. Auch 2014 stand das (vor allem auch atmosphärisch) imposante Palastzelt im Zentrum, die Open Air Stage indes wurde verschoben und bot nun mehr Platz und bessere Sicht für das Publikum. (Soweit die Stakkatomäßige Einleitung, gleich wirds emotionaler. Anmerkung des Korrekturlesers) .Dementsprechend konnte Peter Putz, Mitglied des Veranstalter-Teams, absolut positiv resümieren: „Wir sind mit einer durchschnittlichen Besucherzahl von 4000 pro Tag und ca. 12.000 über das gesamte Festivalwochenende sehr zufrieden.  Das ist noch mal ein ganzes Stück mehr als im letzten Jahr und eine schöne Bestätigung für unsere inhaltliche Arbeit. Auch die Änderungen in der Konzeption und Konstellation des Festivalgeländes wurden sehr positiv aufgenommen.
Vor allem der Festivalsonntag bot ein extrem ausgewogenes und aufregendes musikalisches Programm. Lest unsere Einblicke in einige großartigen Konzerte.

Das Maifeld Derby beginnt für uns mit dem Auftritt von Girls in Hawai. Der Bandtitel alleine klingt zunächst natürlich nach beschwinglichen Indierhythmen, Sommer, Sonne und guter Laune Geklimper. Hawai eben. Und Girls. Falsch gedacht. Girls in Hawai sind eine der spannendsten Band der nach wie vor florierenden belgischen Indieszene und spielen am Festivalsonntag eine energetische Show, die den Zuhörer in einigen Momenten tatsächlich ein wenig an das überragende Headliner-Konzert von The Notwist im vergangenen Jahr erinnert. Das heißt: Wir hören wie sich Soundschicht über Soundschicht legt, ehe sich vor der dunklen Maifeld-Bühne eine regelrechte Lärmwand auftut, die sich dann Tsunami-artig über das Publikum ergießt. Stark! Vor allem die letzte Song, der sich über Minuten aufbaut, verschiedene Stile kombiniert und im Anschluss in einem Jamorkan alles einreißt, überzeugt  und zwar auf ganzer Linie. Von dieser Band werden wir noch einiges hören.

Weiter geht’s draußen mit The Elwins. Und die machen genau die Art von Musik, die man eigentlich (als Namendeuter) von Girls in Hawai erwartet hätte (Beschreibung siehe oben). Das ist ganz nett und passt natürlich wunderbar in den Sonnenschein, aber insgesamt ist diese Art von Musik doch ein wenig zu angenehm und rutscht einem ein zu schnell die Gehörgänge hinunter. Den Kanadiern fehlt ein Ticken an Ecken und Kanten, Sounds, die sich in den Ohrmuscheln festkrallen. Immerhin tanzen unzählige Mädchen mit Blumenkränzen in den Haaren. Denn: Die Sonne scheint. Am Maifeld (!).

Spannender wird es im Anschluss im Palastzelt: Dort marschieren nämlich Temples auf die Bühne, die zuletzt vor allen Dingen in Großbritannien einen ordentlichen Hype erfahren haben (und auch hier darf der Hinweis nicht fehlen, dass sowohl Johnny Marr, als auch Noel Gallagher die Truppe aus Kettering als „die heißeste junge Band der Insel“ bezeichnet haben. Ritterschlag von Atombombenausmaß). Am Maifeld-Derby beweisen „Die Tempel“ (sorry!) wieso: Zunächst einmal besitzt Frontmann James Edward Bagshaw der imposantesten Naturafro der Rock´N´Roll-Szene seit Wolfmother Boss Andrew Stockdale. Des Weiteren ist das Psychodelic-Geschrammel, dass die zierliche Band auf die Bühne klatscht absolut imposant und erfrischend. Zack und Bämm. Vollgas und geradeaus. Einer aus dem Publikum schreit „You Guys Are Amazing.“ Von der Bühne antwortet ein gelangweiltes, kaum wahrnehmbares Nicken der Marke „Wissen wir schon lange“. Rock`N´Roll eben.

Das Bühnenpendeln geht weiter. Als wir uns aus der Dunkelheit des Zeltes schälen erfolgt die wettertechnische Überraschung. Wo uns zuvor blendende Sonnenstrahlen die an die Dunkelheit gewohnten Netzhäute verätzten, klatschen uns jetzt dicke Regentropfen ins Gesicht. Das Maifeld hat eben einen Ruf zu verteidigen. Der Schuldige ist schnell gefunden und gibt das auch noch unverfroren zu: Hozier kommt aus Irland und natürlich hat er den Regen mitgebracht. Eigentlich müsste man ihm dafür böse sein, würde er nicht in der Folge ein Konzert spielen, das absolut in Erinnerung bleibt und den Titel der „Überraschung des Sonntags“ ganz locker einstreicht. Frontmann Andrew Hozier-Byrne hat eine fantastische Stimme und schlägt dunkle, bewegende Töne auf seiner Bluesgitarre an, während seine Band, inklusive Piano und Streicher, den Singer-Songwriter-Kompositionen eine unglaubliche Tiefe und Größe verleiht. Das ist Bluesrock vom Feinsten, irgendwie dunkel und traurig, irgendwie tanzbar und angenehm. Ein wenig erinnert das an die frühen Kings Of Leon gepaart mit irischer Gelassenheit. Vor allem „Take Me To Church“ ist ein Song der genau hier, an diesem Ort, im kalten Regen aber so was von in Erinnerung bleibt.

St. Vincent surfen gerade auf einer ordentlichen Hype-Welle. Die Feuilletons überschlagen sich ob Anne Erin Clark musikalischer Vielseitigkeit. Den Mrs. Clark (und um diese Assoziation kommt man irgendwie nicht herum) ist so etwas wie die Lady Gaga der Independet-Szene und kann genau diesen Vergleich vermutlich absolut nicht mehr hören. Das Konzert ist vor allen Dingen von einem gehörigen Grad der Unberechenbarkeit geprägt: Hier scheppern böse Elektrosequenzen in durchdringende Poprhythmen, die dann wieder in klassischen Indiefrequenzen zergehen. Hm. Wow. Oha. So richtig in Worte fassen lässt sich eine Show von St. Vincent nicht. Und irgendwie ist das ja auch gut so. Clark offenbart vor allen Dingen ein immenses musikalisches Talent und eine beeindruckende Bandbreite, die sie bis zu den letzten Zentimetern ausbreitet und abmarschiert. Und natürlich ist das alles irgendwie noch Experiment, ein Ausloten der Möglichkeiten, das in letzter Konsequenz aber nicht komplett aufgeht, weil die letzte, die finale Radikalität doch ausbleibt.

Wye Oak indes spielen eine wunderbar berechenbar schöne Art von Musik. Die Sonne ist zurück, man stellt sich entspannt in die ellenlange Crepes-Schlange und das Duo aus Baltimore bildet damit das ideale Bindeglied zwischen der wilden, ausufernden St. Vincent Show und….

The National. Dieser Name thronte in diesem Maifeld-Jahre über allem – zum einen, weil das Maifeld-Team bis dato noch nie einen Bandfisch von einem solchen Ausmaß an Land gezogen hatte (immerhin gilt The National als Lieblingsband von Barack Obama), zum anderen haben sich die beinahe beängstigenden Livequalitäten der Band mittlerweile nachhaltig herumgesprochen. Und eins vorweg: Die Band um Sänger Matt Berninger enttäuschte trotz gigantischer Erwartungen nicht eine Sekunde und dürften( Stand 2014) wohl wirklich eine der besten (oder halt eben die beste) Live-(Indie)band unseres Planeten sein. Hallo Superlativen. The National live besticht mit zwei verschiedenen Faktoren: Nummer 1 ist das Niveau der Musiker – die beiden Brüderpaare Aaron und Bryce Dessner und Bryan und Scott Devendorf entwerfen grandiose, vielschichtige, wunderbare Klanguniversen, die immer wieder von sensibel eingesetzten Bläserbombast an den Rand der Implosion getrieben werden. Gigantisch! Faktor zwei ist indes Matt Berninger. Der Irre. Berninger ist unberechenbar, superwitzig und meistens (zumindest gefühlt) stockbesoffen. Er zertrümmert Mikrofonständer nach Mikrofonständer, reißt so manchen Flachwitz, marschiert wie ein Tiger über die Bühne und zum Abschluss des Konzertes immer wieder mit ellenlangen Mikrofonkabel ins Publikum. Und egal wie und in welchem Zustand, egal an welchen Ort: Berninger singt sich die Seele aus dem Leib und legt sie dann noch seinem Publikum zum Füßen. Und wir im Publikum möchten mitschreien, wenn Berninger schreit, möchten mit weinen, wenn seine Stimme fast zerschellt. Am Maifeld sind The National zusätzlich mit Lightshow angereist, was das Gesamtkunstwerk noch einmal abrundet und um entscheidende Nuancen erweitert. Zum Abschluss gibt es eine fabulöse Unplugged Version von „Vanderlyle Crybaby Geeks“, die das Publikum zunächst zum Mitsingen aus vollen Kehlen animiert und ebendiese nach Abschluss des Konzerts offen stehen lässt. Mehr geht nicht.

Das ist definitiv der perfekte Festivalabschluss! Eben so wie es sein sollte.
P.S.: Das Maifeld liebte The National – und augenscheinlich beruhte die Wertschätzung auf Gegenseitigkeit. In seiner abschließenden Pressemitteilung berichtet Festivalmacher Timo Kumpf: „The National haben sich noch einmal ganz persönlich bei uns für das tolle, selbstgekochte Essen, die gesamte Betreuung und den hochprofessionellen Ablauf in allen Aspekten bedankt. Der Band hat es bei uns sehr gut gefallen, was man ihrem Auftritt auch durchaus angemerkt hat, denke ich. Für mich und mein Team ist das eine große Bestätigung.

 Maifeld-Derby – Vorbericht und Interview

maifeld derby

Aus dem übersättigten Festivalnährboden Deutschlands sprossen in den vergangen Jahren so viele neue Festivals, dass man selbst als geneigter Musikfan schnell Gefahr läuft, den Überblick zu verlieren. 2014 finden wir beinahe in jedem Ort, zumindest jedoch in jedem Landkreis ein eigenes Festival – die Spanne reicht dabei von Giganten wie dem Southside oder Rock am Ring, über Mainstream-Events bis hin zu größeren Dorffeten. Das Problem: Quantität ist nur selten mit Qualität gleichzusetzen! Vielen Veranstaltungen fehlt es an Charme, Risikobereitschaft, Ideenreichtum und vor allem aber an aufregenden Lineups. Zahlreiche Bands überschneiden sich, die Buchungen folgen meist aktuellen Hypes oder dem unabdingbaren Drang nach Party. Vor diesem Hintergrund tut es besonders gut über ein Festival wie das Maifeld-Derby zu stolpern, das ganz bewusst einen anderen Weg geht.

Aber von vorne: Auch das Maifeld-Derby ist noch nicht lange der Kinderwiege entstiegen. 2014 findet das Festival auf dem Mannheimer Maimarkt Gelände nunmehr zum vierten Mal statt. Doch das Derby war von Beginn an anders. Das zeigt alleine ein kleines, aber feines Detail: Das Zeitplan des Festivals offenbart sage und schreibe fünf Bühnen und bietet genau deshalb für alle Arten und Größen von Bands ausgiebige Spielzeiten bei möglichst geringen Überschneidungen. Es wird klar: Hier geht es um Musik – der Hardcore-Festivalgänger könnte sich theoretisch zumindest ein gutes Stück Musik von jeder der insgesamt 60 Bands zu Gemüte führen.

Und ebendiese 60Truppen bieten eine gehörige Bandbreite. Die grundlegende Ausrichtung des Festivals liegt sicherlich im ungeheuer undefinierten Bereich der Indie-Musik. Wie weit dieses Feld ist, konnte man bereits im vergangenen Jahr feststellen, als man als Maifeld-Gänger bereits am ersten Abend sowohl die Progstoner-Giganten Kadavar, als auch eine denkwürdige Show von The Notwist hören konnte (Hier gehts zu unserem Bericht von letzten Jahr -KLICK-). Auch 2014 gibt es unglaublich viel zu entdecken. Zu den Highlights des Lineups gehören sicherlich die fantastische Future Islands, deren Frontmann Samuel T. Herring wohl zu emotionalsten und außergewöhnlichsten Performern des ganzen Rock´N´Roll-Zirkus gehört. Am Festivalsamstag teilen sich zwei Bands den großen Auftritt im Palastzelt des Festivals: Zunächst entert Lokalmatador Konstantin Gropper a.k.a. Get Well Soon die Bühne. Gropper entstammt der Mannheimer Popakademie und seine orchestraler, vielschichtiger Musikentwurf sucht nach wie vor national wie international seines Gleichen.

Zweiter Samstagsheadliner sind Warpaint, die psychodelische Indie-Elektronik-Experimental-Supergirlgroup, die einst zusammen mit John Frusciante musizierten und Live stetig für offene Münder sorgt. Der ganz große Fisch zappelt aber erst Sonntag-Abend im Netz: The National waren 2013 eine präsentesten und erfolgreichsten Indiebands – das spielt aber eigentlich keine Rolle. Denn The National mit ihrem besessenen und unendlich sympathischen Frontmann Matt Berninger sind schlicht und einfach eine absolut grandiose Liveband mit einen scheinbar unendlichen Fundus an absoluten Hymnen. The National und das Maifeld-Derby – das passt wirklich wie der viel zitierte Arsch auf Eimer!

Knapp eineinhalb Wochen vor dem Festival ergab sich die Möglichkeit einige Fragen an Timo Kumpf, den Veranstalter des Maifeld-Derby und Matthias Rauch (Leiter Presse- und Öffentlichkeitsarbeit beim Clustermanagement Musikwirtschaft) zu richten. Die Antworten wollen wir euch selbstverständlich nicht vorenthalten.

 

1. Was genau sind eure Aufgaben im Organisationsteam des Maifeld Derby?

Timo Kumpf: „Als Geschäftsführer habe ich die Verantwortung über alle Bereiche, von der Produktion über die Promotion bis hin zum Programm. Die Schwerpunkte verschieben sich im Laufe des Jahres. Zunächst steht neben Partnerakquise das Programm im Vordergrund, bevor es dann an die Details geht. Eine Spezialisierung darüber hinaus ist momentan leider noch nicht möglich, aber langfristig arbeite ich daran, mehr Verantwortung abzugeben.

Matthias Rauch: „Seit diesem Jahr unterstütze ich das Maifeld Derby Team bei der Pressearbeit und der Kommunikation. Ich arbeite als PR-Verantwortlicher für das Clustermanagement Musikwirtschaft Mannheim & Region. Wir sind Netzwerker und Strukturförderer innerhalb der regionalen Musikwirtschaft. Wir haben in den letzten Jahren unter anderem den VIP-Empfang des Maifeld Derbys ausgerichtet. Dieses Jahr unterstützen wir das Festival vor allem personell.

2. Das Maifeld-Derby geht nunmehr in seine vierte Ausgabe – was wird 2014 anders sein? Gibt es Fehler, aus denen ihr gelernt habt? Gibt es Neuerungen?

Timo Kumpf: „Es gibt immer Dinge, die man verbessern kann und daran arbeiten wir nach unseren Möglichkeiten ständig. Aber größtenteils sind das Dinge, die sich hinter den Kulissen abspielen. Für die Besucher versuchen wir natürlich ständig am Konzept zu feilen und dies zu verbessern. Die größte Veränderung ist, dass wir aus den anfänglich 3 Bühnen nunmehr 5 gemacht haben. Es gibt erstmals eine Aftershow Party im Maimarktclub bis 5.00Uhr morgens. Da geht’s dann elektronischer und tanzbarer zur Sache als beim „normalen“ Festivalprogramm.

Matthias Rauch: „Es gibt auch sehr viele Dinge, die wir gerne fortführen wollen. So ist es uns nach wie vor wichtig, die Details nicht aus dem Blick zu verlieren und eine sehr intime und familiäre Atmosphäre während des Festivals zu schaffen. Hier greifen sehr viele Faktoren ineinander, die von der Dramaturgie des Line-Ups bis hin zum Catering und der Gestaltung des Geländes reicht.

3. Wo soll es mit dem Maifeld-Derby hingehen? Gibt es Grenzen?

Timo Kumpf: „Naja, wir sind schon so ziemlich an der Grenze dessen was das aktuelle Konzept hergibt. Spätestens bei 5000 Besuchern ist unser Gelände erschöpft und aktuell ist es nicht angedacht, daran etwas zu verändern. Das würde dann auch das Besondere, familiäre Ambiente gefährden und das wollen wir glaub ich nicht riskieren.

Matthias Rauch: „Wie Timo schon sagte, geht es uns nicht um Wachstum um jeden Preis. Wir haben nichts dagegen zu wachsen und tun dies ja auch, aber nur wenn wir gewährleisten können, dass wir bestimmte Aspekte nicht komprimittieren müssen.

4. Bei der Dichte an Festivals, die in den letzten Jahren wie Pilze aus dem Boden geschossen sind, ist die Konkurrenz natürlich groß. Was ist für ein „junges Festival“ besonders wichtig, um sich zu etablieren und sich von der Masse zu unterscheiden?
Timo Kumpf: „Ich denke neben Programm und gekonnter Umsetzung gibt es noch viele weitere Parameter. Zum einen das liebe Wetter, wobei man das ja nicht im Griff hat, zum anderen noch langweilige Themen wie Finanzierung oder ganz banal auch Geländeverfügbarkeiten. Es kann einfach immer alles passieren und damit muss man dann umzugehen wissen. In unserem Fall war die Szeneangehörigkeit als Musiker von Get Well Soon und das daraus resultierende Netzwerk sehr wichtig. Da merken Bands und Besucher, dass wir da kein Businessmodell zusammengeschustert haben, sondern dass wir hier ein Herzensprojekt umsetzen. Das ist dann auch unser Alleinstellungsmerkmal, wir stehen sehr auf Details.

Matthias Rauch: „Ich glaube, die meisten Besucher des Festivals sind sehr inhaltlich interessiert und wollen die Musik genießen und auch neue Bands entdecken. Und wir wollen dafür einen sehr angenehmen Rahmen bieten. Bei uns wird man keine langen Warteschlangen, kein überteuertes Essen sowie keine Dixieklos ertragen müssen. Abgesehen davon, dass Timo auch dieses Jahr wieder ein hervorragendes Programm zusammengezimmert hat.

4. Wie setzt ihr euer Line-Up zusammen? Was ist euch bei der Bandauswahl wichtig?

Timo Kumpf: „Das ist auch immer so eine Bauchentscheidung. Ich buche, was mir gefällt. Klar hat sich im Laufe der Jahre auch der Anspruch entwickelt, möglichst aufstrebende Bands kurz vom Durchbruch zu verpflichten, aber im Endeffekt entscheiden Qualität und der persönliche Geschmack.

5. Was ist deine Meinung zur Headliner Verpflichtung von The National? Ich könnte mir vorstellen, dass da bei der Ausrichtung des Festivals ein kleiner Traum in Erfüllung gegangen ist?

Timo Kumpf: „Naja, das ist schon eine krasse Sensation. Wir freuen uns auf diese tolle Band und haben lange gebraucht, um das zu glauben! Aber um auch das mal klarzustellen: Die sind im Vorfeld schon so nett und normal, dass sich das alles schon normalisiert hat und auch THE NATIONAL eine ganz normale Band in einem bunten Portfolio toller Musikgruppen sind.

Matthias Rauch: „Wir freuen uns natürlich sehr, dass das mit The National geklappt hat, allerdings muss sich das gesamte Programm keinesfalls verstecken. Ganz im Gegenteil. Die Verpflichtung von The National trägt sicherlich dazu bei, dass das Festival noch stärker als bisher international wahrgenommen wird. Wir haben sehr viele Anfragen aus dem europäischen Ausland, was uns natürlich sehr freut.

6. Hast du Geheimtipps, was man als Besucher auf keinen Fall an kleinen Bands verpassen sollte?

Timo Kumpf: „Das hab ich beim Programm noch vergessen: Alle Bands sind unsere Geheimtipps! In diesem Jahr hervorzuheben sind vielleicht Hozier, Wye Oak, Son Lux, Anna Aaron, Bilderbuch, Lambert und eigentlich auch alle anderen. Also nix verpassen, denn es könnte deine neue Lieblingsband sein!

Matthias Rauch: „Ich freue mich besonders auf Bands wie Future Islands, Sohn, Monochrome, Hundreds oder auch Get Well Soon, die mit Streicher- und Bläserensemble auflaufen werden. Sollte man alles tunlichst nicht verpassen.

Triggerfinger – Kulturladen Konstanz – 28.04.2014

trigg (1)Die ersten 20 Minuten des Triggerfinger-Konzert im Konstanzer Kulturladen sind eine klare Ansage an all jene Konzertbesucher, die das belgische Trio nur mit ihrem Über-Coverhit „I Follow Rivers“ assoziieren: Die Band fegt mit einem 20 minütigen, beinharten Songtornado auf die Bühne und lässt sich und seinem Publikum kaum eine Verschnaufspause. Zu hart, zu schnell, zu laut ist dieser furiose Auftakt – und all jene, die eingängigen Radio-Schmuse-Pop erwartet haben, finden sich jetzt definitiv im falschen Film. Klatsch! Ohrfeige. Und Triggerfinger versuchen auch in der Folge sich in keinster Weise bei ihrem Publikum anzubiedern oder Erwartungen zu erfüllen – und dazu besteht auch keinerlei Bedarf. Denn die Band besitzt eine bewegte, eigenständige, sieben Alben starke Bandvergangenheit und eine außergewöhnliche Livepräsenz.

triggDiese offenbart sich schon in der Präsentation der Truppe. Triggerfinger könnte direkt aus einem Comicuniversum oder aus einem Tarantino-Film stammen: Da steht rechts der hünenhafte Paul Van Bruystegem, den kahlen Schädel poliert, die Sonnenbrille tief im Gesicht und stoisch an den Basssaiten zupfend. Im Zentrum thront das Schlagzeug von Mario Goossens, dem dauergrinsenden Schlaks im kunterbunten Anzug, dem während seiner Schlagzeugsoli zwei weitere Arme zu wachsen scheinen. Und links folgt dann Ruben Block, dessen Gesicht man seit dem Hype direkt mit Triggerfinger verbindet. Er trägt feinen Zwirn und einen mächtigen schwarzen Schnurrbart und hat seine graue Mähne im Vincent-Vega-Style nach hinten geklatscht.

Aber Triggerfinger? Nie gehört! Den meisten Hörern in Deutschland war die belgische Band 2012, dem Jahr als „I Follow Rivers“ die Welt eroberte, kein Begriff. Dabei ist das Trio aus Antwerpen alles andere als ein One-Hit-Wonder und seit seiner Gründung im Jahre 1998 ein fester Bestandteil der aktiven, dynamischen belgischen Indieszene. In der Heimat längst Rockstars, teilten Triggerfinger über Jahre das selbe Schicksal wie ihre belgischen Kollegen von Deus oder Absynthe Minded: Trotz enormer Qualität und obwohl ihre Musik in Indie und Insiderkreisen längst dauerrotierte, blieb der Sprung auf die ganz großen Bühnen zumindest außerhalb von Belgien aus.

Doch dann kam „I Follow Rivers“ und die Welt der Band drehte sich fortan anders herum:

Es macht für uns keinen Unterschied, ob wir diesen Erfolg mit einem unserer eigenen Songs, oder mit einem fremden Stück erreicht haben. Die Leute mögen unsere Interpretation – das ist das Wichtigste.“, meint Sänger und Frontmann Ruben Block. Natürlich hat sich seither auch das Publikum verändert, das zu Triggerfinger-Shows strömt: „Viele Menschen kennen uns nur wegen dieses einen Songs. Wenn sie zu unseren Shows kommen, kann man den Gesichtern entnehmen, dass sie nicht wirklich wissen, was sie erwarten sollen.

triggyMusikalisch erfolgt nach dem Punkrock-Gewitter ein kleiner Bruch – Triggerfinger spielen nun blues- und songlastiger und Ruben Blocks Stimme, die sich zuvor kaum durch den wilden Sturm hindurch beißen konnte, rückt nun stärker ins Zentrum. Das Gesamtkonstrukt indes huldigt auf einem klassischen, oldschool Rock´N´Roll Unterbau so ziemlich jeder Bewegung die Rockmusik in den vergangenen beiden Jahrzehnten geprägt hatte: Wir hören Grunge-Gejaule, Garage-Gejamme, entspannt Stoner-Sounds, ausufernde Prog-Programme. Das Zuhörer-Gehirn baut stetig Brücken und Assoziationen, entdeckt ein bisschen Nirvana, ein wenig The Hives, eine Menge Black Rebel Motorcycle Club, vermischt zu einer eigenständigen, energetischen Mischung, die immer wieder von kleinen, abweichenden Nuancen durchbrochen wird.

Etwa wenn Block sich vom Mikrofon entfernt und seine unverstärkte Stimme plötzlich alleine durch den Kula rauscht, wenn Goossens zu einem hyperaktiven, hypnotischen Solo antrommelt und seine Mitstreiter ihn dazu mit Lichtkanonen beschießen oder wenn ein Vollblut-Fan Block eine Songzeile vorweg nimmt – „I lost my faith“- und der Sänger direkt an ihn anknüpft: „Oh, he lost his faith.“

Und dann ist da ja noch der Joker, der Hit, der Dosenöffner. Keine Frage,  „I Follow Rivers“ ist in der Triggerfinger Version ein besonderer Song. Live zergeht er in einer dahin gehauchten ersten Strophe von Falcos „Jeanny“. Das ist absurd. Und seltsam. Und anders. Und schön. Und wir möchten uns bedanken, bei „I Follow Rivers“, weil er uns diese Band hier aufgetischt hat.

Arcade Fire, Reflektor, Universal

Reflekt Yourself!

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (1)

Arcade Fire, der Inbegriff der Liebhaberband, das Schmuckstück, dass man immer offen und nerdig zur Schau tragen konnte, sind nun ganz oben angekommen. Auf dem Thron. Und zwar nicht als Sidekick, Besucher oder Götterbote, sondern als Boss, als thronende Macht, deren Aura so markant ist, dass die ganze Erde innehält, wenn sie ihre musikalischen Blitze nach unten verballert. „Reflektor“ hielt die Welt in Atem – und enttäuscht. Wieder einmal. Genau wie „The Suburbs“, dass heute vielleicht die beste Scheibe dieser unfassbaren Band ist. Zur groß sind stets die Erwartungen, sodass wir als Fans vergessen, dass Arcade Fire nie und nimmer beim ersten Hördurchgang zünden, dass sich diese Kompositionen entwickeln müssen, dass immer erst nur ein zwei Songs hängen bleiben, ehe der Rest zu Monstern heranwächst, die dich nicht mehr loslassen. Die dich aufressen wollen. Entsprechend ist es für diese Review zu früh. Fragt mich doch in einem Jahr nochmal. Die aktuellen Eindrücke sind noch zu frisch und unverarbeitet und doch zeichnet es sich langsam wieder ab: Die neue Arcade Fire wird auch in diesem Jahr alles in den Schatten stellen, was die Gitarren-Popmusik präsentiert. „Reflektor“ ist bunter und lebendiger als die Vorgänger, ein bisschen Flaming Lips mäßig, aber doch typisch. Hymnisch. Zitatereich. Barock. Göttlich.

Eminem, The Marshall Mathers LP 2, Interscope (Universal)

Zurück im Olymp

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (5)Es dauert genau einen Song, um zu verstehen, dass wir gerade Ohrenzeuge der musikalischen Wiederauferstehung und vollständigen Reinwaschung eines Jahrhunderttalents werden. Die erste Komposition des neuen Eminem Albums „The Marshall Mathers LP 2“ heißt „Bad Guy“ und dauert geschlagene sieben Minuten und vierzehn Sekunden – eine geradezu epische Länge für einen Opener, die wohl 90 % aller HipHop-Veröffentlichungen direkt das Genick brechen würde. Doch „Bad Guy“ ist mehr als ein Song: Er ist Rückbezug und Zitat, HipHop-Oper und Raproman, Ausstellung und Kritik an den eigenen Fähigkeiten, Reflexion und umarmende Klammer um das Schaffen des vielleicht einflussreichsten Popmusikers der vergangenen eineinhalb Dekaden. Der Auftaktsong knüpft an einer entscheidenden Song-Stelle in Eminems Karriere an: „Stan“ war die herausragende Ballade der ersten „Marshall Mathers LP“ und erzählte die Geschichte eines fanatischen Fans, der sein gesamtes Leben auf Eminem ausrichtete – und dabei sich und seine Familie zu Grunde richtete. Der Hit verhalf Sängerin Dido, die damals die Hook einsang, zu einer Weltkarriere und öffnete Eminem (und damit auch HipHop im Allgemeinen) endgültig die Türen zur breiten Masse. In „Bad Guy“ erzählt der Rapper nun Stans Geschichte aus der Perspektive von dessen kleinen Bruder Matthew weiter. Doch damit nicht genug: Eminem versetzt sich nicht nur auf Textebene in die von ihm geschaffene Figur, er begibt sich auch qualitativ auf deren Rapniveau. Das Album beginnt also gewollt mit Eminems wohl miserabelster Performance – erst im Verlauf des Songs steigert der Rapper die Qualität seines Sprechgesangs linear auf ein Höchstlevel, um in einem Finale Furioso das Gesamtkonstrukt in Stücke zu zerreißen. In einem finalen poetologischen Bruch wechselt der Sprachkünstler zurück in seine eigene Haut und entlarvt Matthew als bloßen sprachlichen Kunstgriff, der es ihm möglich macht, die eigenen Schwächen mitzudenken. Wahnsinn! Und vergessen sind die drei zurückliegenden Alben, die zwar allesamt Bestseller waren, aber den Mythos Eminem zunehmend dekonstruierten und den Rapgott wieder zum Menschen machten

Dass sich Eminem auf seinem Weg zurück nach ganz Oben ausgerechnet (und nur wenig subtil) an der „Marshall Mathers LP“ orientiert ist nur wenig verwunderlich – die 2000 veröffentlichte Scheibe ist das frühe Opus Magnum des Detroiter Rapper, ein moderner Klassiker und Offenbarungseid. Damit die vielfach codierte Wiederbelebung so organisch wie möglich von Statten gehen konnte, hat sich unser Lazarus eine ganze Armada von Produzenten ins Boot geholt. Angeführt wird das Kommando von Eminems Mentor Dr Dre, außerdem gibt sich Rick Rubin die Ehre, der seine Fähigkeiten als Defibrillator für festgefahrene Kreativkarrieren schon zigfach unter Beweis stellte. Analog zu den beiden Masterminds besitzt die Platte zwei Gesichter. Das erste folgt dem Diktum von „Bad Guy“ und verzahnt sich immer wieder mit den antreibenden Song-Zahnrädern aus Eminems Gesamtwerk. Da tönen total abgedrehte Eulenspiegel-Hymnen mit schräg eingesungenen Refrains, dort pumpen heroische Durchalteparolen im Stile des Oscar prämierten „Loose Yourself“. Doch Eminem, heute 41, beschränkt sich nicht aufs bloße Zitieren. Er denkt seine Ursprungs-Ideen entscheidend weiter und reflektiert im Prozess seine eigenen Ängste, sein Scheitern, seine Endlichkeit – als Künstler wie als Mensch. Und dann ist da noch das zweite, das all umfassende Gesicht, das nicht nur die eigene Geschichte begutachtet, sondern das große Ganze in den Blick nimmt. Stellvertretend dafür stehen zum einen die Vorabveröffentlichung „Berzerk“, getrieben von einem Rick Rubinschen Run-DMC-Gedächtnisbeat und zum anderen die futuristische Kollaboration „Love Game“ mit Wunderkind Kendrick Lamar. Und so wird „The Marshall Mathers LP 2“ zum Epos, das erinnert, zitiert, erfindet und voraus blickt. Und zu dem Werk, das Eminem endlich wieder in den Olymp zurück hievt. Oder wie er selbst sagt: „Why be a king when you can be a god!“

Nine Inch Nails, Hesitation Marks, Polydor Records

Den Finger am Puls der Zeit

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (6)Trent Reznor ist ein Berseker. Ein Wahnsinniger. Einer, den du nicht kontrollieren kannst. Dementsprechend agierten die Nine Inch Nails bisher auch im Studio. Mal visionär, bahnbrechend, großartig, mal zu verkopft, zu seltsam, zu wahnsinnig. Fünf Jahre ist es mittlerweile her, dass es neues NIN-Material auf die Ohren gab – fünf Jahre, in denen Reznor fantastische Filmmusik für David Fincher komponierte, die digitale Revolution erforschte und offensichtlich eine Menge elektronischer Musik hörte. Denn genau dort – vor allem im Dubstep – hat Reznor Anleihen gesucht und gefunden und damit einmal mehr den Finger am Puls der Zeit. Als Konsequenz aus dieser Entwicklung – sowie des persönlichen Reifungsprozesses – klingt „Hesitation Marks“ für ein NIN-Album außergewöhnlich poppig. Die musikalischen Brüche sind nicht mehr so brutal, die Riffs nicht mehr so erbarmungslos, Reznors Stimme nicht mehr so gehetzt. Es klingt beinahe so (und hoffentlich erfährt er das nie) als hätte Trent Reznor seinen inneren Frieden gefunden. Am Ende ist das aber kein Widerspruch: Der Unberechenbarkeit liegt auf „Hesitation Marks“ eben in der Berechenbarkeit.

Arctic Monkeys, AM, Domino Records (Goodtogo)

Das Märchen geht weiter

DieThees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (2) mittlerweile beinahe totzitierte Wandlung der Arctic Monkeys nimmt in der Enzyklopädie des Rock´N´Roll den Status eines Märchens ein. Es war einmal das dreckige, verspielte kleine Garagenpunk Entchen, dass sich unter der Anleitung des legendären Wüstenfuchses Josh Homme zum schönen Stoner-Schwan wandelte. Doch die Arctic Monkeys sind 2013 keinesfalls eine Bilderbuchband, sondern viel eher ein vielköpfiger, vielschichtiger, bissiger, schwarzer Schwan – und (nach der Auflösung von Oasis) Englands Vorzeigeband numero uno. „AM“ führt den eingeschlagenen Weg konsequent weiter. Oder eben auch nicht. Die Scheibe besinnt sich ein Stück weit auf die alten Tugenden der Band – eingängiges Songgeschepper – und lässt gleichzeitig unfassbare, geheimnisvolle Songmonster von der Kette. Da ist zum Beispiel „Why’d You Only Call Me When You’re High?“ – rauschend, dunkel, trippy, kratzend auf der einen Seite, eingängig, mit hundertprozentigen Wiedererkennungswert auf der anderen. Alex Turners Stimme rückt noch zentraler in der Vordergrund, wird aber immer wieder gepitcht und verdunkelt. Und so werden die Arctic Monkeys auch mit „AM“ einige Fans vergraulen, einige andere dazugewinnen – vor allem aber bleiben sie in Bewegung, in der Diskussion. Und das ist das, was die ganz großen Bands in den vergangenen Jahrzehnten auszeichnete.

Thees Uhlmann, #2, Grand Hotel Van Cleef

Der zweite Streich

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, NeuWenn ein Musiker seine Band verlässt und fortan auf Solopfaden sein eigenes Ding durchzieht kann das mehrere Gründe haben: Künstlerische Freiheit, Selbstinszenierung, die Erschließung neuer musikalischer Räume. Qualitätssprünge sind in den allermeisten Fällen nicht zu erwarten. Meist klingen die Soloprojekte so anders, dass sie keiner mehr einordnen kann und will, oder eben doch genau so wie die ad acta gelegte Band – nur schlechter. Und jetzt das Gegenbeispiel. Mit seinem ersten Soloalbum hievte Thees Uhlmann sein Songwriting auf eine ganz neue Stufe – Uhlmann schien geradezu befreit, übersprudelte förmlich vor Energie und Ideen und spielte mit seinem eigenen Material alles an die Wand, was er zuvor mit Tomte fabriziert hatte. Nun also der zweite Streich: Uhlmann gelingt durch die Betonung von Nuancen der Entwurf eines ganz eigenen, neuen Sounds. Da ist das Grundgerüst im Stile des deutschen Indies, da sind die Heartland-Heimat-Herzblut-Anleihen bei Bruce Springsteen und da ist diese neue merkwürdige Art des Textens und Musizierens, die Uhlmann mit seinem Buddy Casper prägt – inklusive kleiner Beobachtungen, Pianoanschlägen, Chören, Streichern. Heraus kommen Songperlen wie „Am 07. März“ oder „Zerschmettert in Stücke (Im Frieden der Nacht)“.

Pearl Jam, Lightning Bolt, Republic/Universal

Der Sturm

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (4)Ein lyrisches Bildelement dominiert die neue Pearl Jam Platte „Lightning Bolt“: Es blitzt und donnert aus allen Richtungen, es wird über- und mitgeschwemmt, niedergebrannt und zerstört und zerschlagen. Die Natur schlägt erbarmungslos zurück und mittendrin, im Auge des Sturms, stehen Pearl Jam und ihre mittlerweile ausgedünnten Grungemähnen wehen nach wie vor im Wind. Die Platte ist offensichtlich ein energetischer Aufschrei: Wir sind immer noch da. Wir sind immer noch relevant. Wir sind immer noch wütend, vital und immer noch Punk! Vor diesem Hintergrund wirkt „Lightning Bolt“ wie ein polarer Gegenentwurf zu Eddie Vedders fantastischen Singer-Songwriter-Experimenten, die den Rückzug in die Natur predigten, aber auch als klares „Nein!“ in Richtung all jener, die Pearl Jam bereits in der Stadion-Mitgröhl-Schublade abgelegt hatten. Insbesondere das Triumvirat zum Auftakt, bestehend aus der fast penetrant Pearl Jam typischen Komposition „Getaway“, der rasanten Punkrock-Nummer „Mind Your Manners“ und der textlastigen Mischung aus diesen beiden Bausteinen („My Fathers Son“) offenbart, diese Band ihren eigenen Ansprüchen immer noch gerecht wird. Und natürlich klingt Pearl Jam immer noch nach Pearl Jam, immer noch nach 90er Grunge und Holzfäller-Hemden. Die Varianten sind spärlich gesät, blühen aber umso auffallender. Und genau das ist der Grund, warum so viele Menschen dieser Band treu geblieben sind. Und treu bleiben werden.

Casper, „Hinterland“, Four Music

Der Messias?

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (8)Bis vor wenigen Jahren war der Ruf des deutschen HipHops denkbar miserabel. Die Öffentlichkeit betrachtete die Szene größtenteils als einen Brei von Nachahmern der unerreichbaren amerikanischen Vorbildern, als Möchtegern-Gangster und Sprachvergewaltiger. Mittlerweile hat sich dieses Bild gedreht, der deutsche HipHop ist hybrid, in stetiger kreativer Bewegung und geprägt von einer supererfolgreichen Genreoffenheit. Das Saarbrücker Duo Genetikk trumpft mit dunklen Beatarbeit und Beastie Boys Flow, Prinz Pi, ehemals Prinz Porno, ist heute Jugendsprachrohr mit Beatles-Anleihen, der Autodidakt Alligatoah spielte ein kunterbuntes Comedy-Pop-Album ein. All diese Künstler enterten dieses Jahr Rang 1 der deutschen Albencharts. Dieses Schicksal wird auch „Hinterland“, die neue Scheibe von Casper mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit erreichen – mit einen kleinen Unterschied: Caspers Wandlung vom Battlerapper zum Musiker ist noch radikaler, homogener und intensiver, Caspers Hype und Qualität sind mittlerweile so prägnant, dass man ihn ohne Probleme als Messias dieser 2.0 HipHop-Welt bezeichnen kann.

Das Vorgänger Album XOXO war ein überraschendes Experiment, dass sich beinahe spielerisch Indie und Postrockelemente aneignete. Auf Hinterland wächst diese vorsichtige Annäherung nun zu einer durchdringenden Symbiose. Das liegt vor allen Dingen an der Produktion des Albums: Casper, dem gemeinhin ein unglaublich breites Musikwissen nachgesagt wird, dem allerdings bei der Umsetzung seiner Visionen bis dato das nötige Know-How abging, verstärkte seine Studiomannschaft entscheidend. Zum einen mit Markus Ganter, einem der spannendsten Alternativeproduzenten, zum anderen mit Konstantin Gropper, der mit seinem Bandprojekt Get Well Soon weltweit für offene Münder sorgte. Einen ähnlichen Aha-Effekt erzielt nun auch „Hinterland“ bereits mit dem Intro zum Opener „Im Ascheregen“. Zuerst tönen zarte Orgelanschläge, ehe sich Tastengeklimper und Schlagzeug-Wummern langsam zu einem Rhythmus, zum Beat verformen, der dann in Streicher und Glockenspiel-Wellen implodiert. Und dann kommt Casper: „Dies ist kein Abschied, denn ich war nie willkommen.“

Die erste Zeile der Scheibe lässt sich problemlos als verbaler Mittelfinger in Richtung des alten HipHop-Regimes deuten. Doch die verstaubten Grenzen sind längst aufgebrochen und Casper zitiert sich wie besessen durch das vergangene Jahrzehnt des Indie. Der Titeltrack ist so penetrant melancholisch-harmonisch, wie wir es eigentlich nur von den Shins kennen, „…nach der Demo gings bergab“ besitzt die Energie und schnöde Schönheit, die einst Ton Steine Scherben auszeichnete und auf „Lux Lisbon“ übernimmt mit Editors Sänger Tom Smith direkt eine prägende Indie-Persönlichkeit die Hook.

Nichtsdestotrotz bleibt der Sprechgesang und damit HipHop der Kit, das tragende Element, eines Albums, dass wohl (in Kombination mit XOXO) das Rüstzeug zu einem modernen Pop-Klassiker besitzt. Denn Casper entwickelt, angetrieben von nerdiger Motivation und als Springer zwischen den Welten, einen eigenen Sound, ein eigenen Art des (teilweise nervigen) Textens und transportiert dabei den irritierenden Zeitgeist, einer Generation, deren Zeitgefühl man eigentlich verloren glaubte.

Volbeat, Outlaw Gentleman & Shady Ladies, Vertigo Berlin (Universal)

Am Ende der Fahnenstange

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (7)Nicht selten sind es die seltsamsten Konzepte, die in der Musikwelt plötzlich unbemerkt offenstehende Löcher stopfen. Volbeat sind so ein seltsames Musikphänomen. Denn wer hätte gedacht, dass ein dänisches Quartett, das eingängigen Heavy-Metal mit Rockabilly- und Westerneinflüssen mixt, zur erfolgreichsten internationalen Heavy-Metal-Band reifen könnte? Doch genau das ist in den vergangenen Jahren passiert: Volbeat haben mit ihrem erfrischenden Konzept den Markt gesprengt und sich durch ungeheure Livepräsenz unter anderem bis zum Rock-Am-Ring-Headliner hochgespielt. Dieser Tage erschien die langersehnte neue Scheibe „Outlaw Gentleman & Shady Ladies“. Nach mehreren Plattendurchläufen bleibt allerdings nur eine bittere Erkenntnis: Das Ende der Fahnenstange scheint erreicht, das Konzept Volbeat hat offenbar sein Ablaufdatum überschritten. Die Scheibe klingt (mit Ausnahme des Italo-Western typischen Intros) wie ein einziger überlanger uninspirierter Song. Michael Schøn Poulsen Stimme, die der Truppe immer einen Schuss Unberechenbarkeit eingeimpft hatte, wirkt regelrecht gezähmt und geglättet. Die messerscharfen Riffs der Erstveröffentlichungen sind aalglatten Poppunk-Kompositionen und Null-Acht-Fuffzehn-Metal-Geschrammel gewichen. Das ist Radiopop der übleren Sorte, mit der Konsistenz eines Kaugummi, der zu lange gekaut wurde. Eine echte Enttäuschung.

 

Gov’t Mule , „Shout“, Provogue / Mascot Records

Im Spagat der Genres

Thees Uhlmann, Arcade Fire, Casper, Nine Inch Nails, Arctic Monkeys, Eminem, Neue Alben, Reviews, Besprechungen, Pearl Jam, Volbeat, Gov´t Mule, Cds, Bilder, Neu (3)Gleich zu Beginn der Scheibe schreddert Warren Haynes Gitarre so markant, so kompromisslos durch den Raum, dass man als Hörer reflexartig nach der sicheren Tischkante greift. Der Opener „World Boss“ ist ein klassischer Hallo-Wach-Song, so einer, der dich direkt am Schlafittchen packt und nicht mehr loslässt und damit das klare Programm seiner Urheber aufzeigt. Denn Gov’t Mule verfolgen seit ihrer Gründung 1994 ein kompromissloses Konzept im Spagat zwischen der altehrwürdigen Bluesrockszene, in derer die einzelnen Mitglieder einst ihre Wurzeln schlugen, und der stetigen Auseinandersetzung mit all jenen (post)modernen Genresmutationen, die sich in den vergangen Jahrzehnten mit dem Blues verwoben. So klingen die Songs auf „Shout“ mal nach staubigen Stonerrock, mal nach bierverklebten Punk, mal nach schwermütigen Folk. Aber immer auch nach ausufernden, rifflastigen, dunklen Blues. Richtig spannend wirds aber im zweiten Teil der Scheibe: Dort leihen Superstars wie Steve Winwood, Elvis Costellow oder auch Ben Harper den Shout-Instrumentals für jeweils einen Song ihre Stimme. Und alleine diese Namensliste erklärt die Reichweite von Gov’t Mule besser als jede ausführliche Cd-Besprechung.

Friska Viljor – Kulturladen Konstanz – 04.11.2013

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Ganz am Ende stürzt sich ein bärtiger verschwitzter schwedischer Mann in das Meer von Musikfans vor ihm, spielt auf seiner leicht verstimmten Ukulele eine aufs nötigste reduzierte Komposition und brüllt dazu in schiefsten Tönen den Refrain seines größten Hits „Shotgun Sister“. Sein Publikum, triefend nass, schmiegt sich förmlich an den behaarten Barden und schreit es ihm nach im Chor: „Lalala“! Dieses prächtige Finale zeigt das was die schwedische Formation Friska Viljor seit jeher auszeichnete: Herzblut und ein so dermaßen charmanter Dilettantismus.

IMG_5563Die Geschichte von der Bandgründung Friska Viljors wurde so oft erzählt, dass selbst die Story, wie oft diese Geschichte doch erzählt wurde, ein alter Hut ist. Deshalb die Kurzversion: Vor einigen Jahren ziehen die beiden Kumpel Daniel Johansson und Joakim Sveningsson jeweils mit frisch gebrochenen Herz frustsaufend durch Stockholm. Irgendwann folgt die Schnapsidee: Lass uns den Liebeskummer in Musik verarbeiten. Problem nur: Die Beiden sind alles andere als Musikvirtuosen. Egal – unter dem Namen Friska Viljor begibt man sich in Studio und Proberaum und spielt sich den verklebten Frust von der Seele. Einige Monate später zieht das Duo ganz im Stile der Beatles musizierend über die Reeperbahn und plötzlich reift Friska Viljor zum Indie-Phänomen.

IMG_5574Zu diesem Zeitpunkt bin ich, damals ein frischgebackener Indie-Hipster (den Begriff hätte damals wohl keine begriffen), über Friska Viljor gestolpert und war absolut hin und weg. Das Projekt hatte die Antriebskraft von Punk, die Verspieltheit von Indie und einen dermaßen immensen Grad der Poppigkeit, der tatsächlich Beatles-Assoziationen hervorrief. Kurzum: Eine innovative, versoffene, wunderbar dilettante, Ohrwurm-züchtende Pop-Kreation. Das Debüt „Bravo“ ist dementsprechend wohl bis heute eins meiner meist gehörten Alben, „Tour De Hearts“ rotierte ebenfalls regelmäßig – doch dann begann ein schleichender Entfernungsprozess. Die Folgealben klangen von mal zu mal glatter und die Band verlor (für mich persönlich) ihre Faszination, ohne etwas dafür zu können. Den Friska Viljor verfielen keinesfalls den Reizen des Mainstreams. Sie wurden einfach bessere Musiker. Ein Paradox.

IMG_5571Heute ist Friska Viljor eine echte Band mit echten Musikern. Das hört man im bist zum letzten Platz ausverkauften Kulturladen vor allem in der Anfangsphase. Die Songs vom neuen Album „Remember Our Name“ klingen im Vergleich zum Frühwerk auch livegeradezu glatt poliert – es fehlt an Ecken und Kanten, Überraschungsmomenten, Irrsinn – kurzum am eingangs beschworenen Charme. Erst im Verlauf des Konzertes bröckelt diese Perfektion, Friska Viljor spielen sich regelrecht frei und zeigen dann in der zweiten Hälfte ihrer Show, welche fantastische Liveband sie doch sind. Da tönen leise Elektroarrangements, da jault eine Trompete, hier tönt ein Glockenspiel – und alles zusammen schweißt sich immer und immer wieder zu mitreißenden Pophymnen zusammen. Highlight (und Kombination aus alter Rohheit und neu entdeckter Technik) ist die epische Version von „Useless“, die Daniel und Joakim im Duo akustisch sezieren, welche sich dann unter ansteigender Bandbeteiligung zum orchestralen Popsong aufschwingt und in den letzten Takten einem zerbrechlichen Trompetensolo zerfließt. Sollte es Friska Viljor in Zukunft gelingen, ihre neu gewonnenen musikalischen Skillz mit ihrer alten Verplantheit und Verspieltheit kombinieren können, hat diese Band noch einiges im Tank. Whatch Out!

Abgefucktes Herzblut

HipHop-Kemp – Hradec Kralove – Tschechien

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HipHop ist die wohl urbanste aller Jugendbewegungen. So urban, dass es auch im Jahr 2013 noch eine echt irritierende Sensation ist, wenn sich Alligatoah offen zu seiner Dorfherkunft bekennt. Umso stranger ist die Tatsache, dass die (von Natur aus eher rustikale) Festivalkultur im HipHop-Diskurs plötzlich eine gewichtige Rolle spielt und eben diese Festivals im ländlichen Umfeld implodieren. Da ist das Paradebeispiel NoStress-Festival, das eine Waldlichtung auf der schwäbischen Alb umcodiert. Da ist der Marktführer Openair frauenfeld, der sich in der ohnehin schon beschaulichen Schweiz eine Pferderennbahn im Kanton Thurgau einverleibt. Und da ist das HipHop-Kemp, irgendwo tief in der tschechischen Provinz, das irgendwie alles bisher gesehene ad absurdum führt.

Normalerweise verbindet ein guter Festivalbericht Atmosphäre und Konzertrückschauen homogen – im Bezug zum Kemp ist das meiner Meinung nicht möglich. Zuviele Details heben sich im tschechischen Festivalkoordinatensystem von unseren gewohnten Parametern ab. Da ist natürlich zunächst die Anreise: Per Bahn werden wir aus der tiefsten schwäbischen Provinz zunächst durch die geleckten deutschen Metropolen Stuttgart und Nürnberg geschleust (Mitreisende mit dem selben Ziel erkennen wir an den klassischen Caps und Wu-Tang-Pullis – manche Dinge ändern sich eben nie), ehe wir an Prager Bahnhof erstmals osteuropäische Luft schnappen und 1,5 Liter Flaschenkanister Zlatopramen kaufen. Damit im Anschlag geht es weiter mit einer tschechischen Bummelbahn durch den orangeroten Sonnenuntergang und durch frisch gemähte tschechische Felder. Dann Shuttlebus, dann Entenmarsch an der viel befahrenen Festivalstraße entlang, dann endlich da, dann Kulturschock von Nackenschellenausmaß.

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, prag (4)Das HipHop Kemp findet auf einer Art alten Raketenbasis statt. Etwa 25000 Mann hab die circa 50 Euro für das Dreitagesticket investiert und campieren jetzt auf einen Areal, dass in Deutschland wohl höchstens für 20000 Mann ausgelegt wäre. Trotzdem finden auch wir Spätangekommenen noch einen angenehmen Platz. Trotzdem ist die Stimmung durchgehend friedlich, losgelöst und entspannt (abgesehen von den lautstarken Schreitsunanis, die sich etwa halbstündlich über den Campingplatz ergießen). Und genau in dieser Opposition entspinnt sich der ganz eigene Charme des Kemp. Auf den ersten Blick wirkt das Festival abgefucked, chaotisch, unorganisiert, gefährlich – bei Genaueren Hinsehen offenbart sich aber eine gehörige Portion Charme, Herzblut, Liebe zum Detail und pure ungefilterte Jugendkultur. An zwei Dinge kann man sich als deutscher Festivalbesucher aber nur langsam gewöhnen: Da ist zum einen die sanitäre Situation inklusive vollkommen überschwemmter Wasserstelle, wie Whirpools übersprudelnde Pissblöcken und den komplett zerfetzten Dixieklos (die zudem recht spärlich gesäht sind). Zum anderen ist da der wildromantische durchgehend florierende Drogenflohmarkt entlang der Hauptschlagadern des Campingplatzes: „Weed, Weed, Weed!“

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, prag (3)Das kaum zu überblickende Chaos des Campingplatz formiert sich mit jedem Schritt Richtung Bühne in einer großartigen, reizüberfluteten Festivallandschaft. Zwischen den Bunkern, die gegen Abend durchgehend bespielt werden, gibt es Unzähliges zu entdecken: Da sind Streetballturniere, Pools, Tomatenschlachten, Skatcontests, Breakdancecompetions, Schokocatchen, Jahrmarktachterbahnen, Elektrozelte, Weinproben, Rapbattles, Sprungtürme, Motocrossshows und ein kulinarisches Angebot von Burger King bis zur einheimischen Kartoffelpfanne. Dem ganzen Termitenbau setzt allerdings das wahrhaftige Konzertgelände absolut die Krone auf. Dieses ist zunächst einmal riesig, darüber hinaus umzäunt von einem immensen Wall (teilweise garniert mit ausgeschlachteten Panzern), das dem Konzert-Bereich den Charakter eines antiken Fussballstadions verleiht.

Und jetzt zum Lineup: Dieses ist (subjektiv) in der amerikanischen Spitze vom aller feinsten, im Mittelfeld aber eher so Mittel – das liegt vor allen an der Dichte an osteuropäischen Acts und an der Tatsache, dass die gebuchten deutschen Acts (subjektiv) nur bedingt Gefallen. Jetzt aber ab…

Der Tanz beginnt mit Stalley, aus dem Stall (höhö) von Maybach Music. Zwar hatte ich mir vorgenommen unbedarft und ohne Vorurteile in dieses Konzert zu gehen – und das obwohl ich vor einiger Zeit einem brechreizerregenden Rock Ross-Konzert beiwohnen musste. Die guten Vorsätze sind mit dem ersten M-m-m-aybach Music Geschichte. Stalley ist offensichtlich ein etwas talentiertere Abspeckversion des Herren Ross und damit für mich der qualitative Bodensatz der Hiphop-Welt. Ein M-m-m-aybach Music reiht sich an das andere und zum Glück ist der Bierstand in Griffweite. Sorry, das musste jetzt raus.

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, prag (6)Die HipHop-Welt hat das immense Glück das eine ganze Armada von Pionieren der Szene in Würde alterte und bis heute in der Lage ist energetische Shows abzuliefern. Tatsächlich gibt es auf Festivals zwei klassische Lager zu beobachten: Da sind die Oldschooler, die Künstler der ersten Stunde und der ganze Rest (fließender Übergang). In den letzten Jahren war dabei zu beobachten, dass gerade die „alten Säcke“ live oftmals eine ganz andere Präsenz und Energie auf die Bühne zaubern, als der Nachwuchs. Bei Openair Frauenfeld beispielsweise zerlegte der Doppelheader A Tribe Called Quest/ Run DMC im Handumdrehen das gesamte Festival. Ganz in der Liga dieses Championsleague Finale würde ich De La Soul wohl nicht einordnen, nichtsdestotrotz besitzt das Trio aus Long Island weltklasse Livequalitäten und einen Nikolaus-.Sack voller Oldschoolhymnen. Persönliches Highlight ist aber „Feel Good Inc.“, der sensationelle Kollaborationstrack mit den Gorillaz (der De La Soul eins der Grammy einbrachte).

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, prag (2)Murs&Fashawn sind für mich leider die Enttäuschung des Festivals (und um ehrlich zu sein, bin ich daran nicht ganz undschuldig). Fashwans Platte „Boy Meets World“ ist ein lockerflockiger Meilenstein, der eigentlich auch definitiv zu diesem wunderbaren Sommerabend passen würde, aber irgendwie nervt der Sound und irgendwie nervt Murs und irgendwie nervt der Zeitplan der sich total verschoben hat und irgendwie bekommen wir uns nicht von unserem supergemütlichen Hangplatz aufgerafft und so verpufft die Show ein bisschen. Schade.

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, prag (8)Guilty Simpson&Apollo Brown. Dice Game is in the house – Bämm! Sorry, für dieses etwas proletenhafte angeteaser, aber dieses Konzert hat die Durchschlagskraft eines Mike Tyson-Hakens. Voll in die Fresse. Apollo Brown baut die besten Beats der Welt, Guilty Simpson besitzt eine kiloweise Bühnenpräsenz. Das Konzert und vor allem die Überhymne „Nasty“ sind eindeutig zu kurz, das sind da aber auch schon die einzigen Kritikpunkte. Besser geht es glaub ich wirklich nicht.

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, prag (7)Lords Of The Underground. Der Abend gehört dann wieder der alten Schule. Die Lords machen wirklich richtig Stimmung, abgefahrenes Crossover Geblitze. Stillstehen geht fast nicht. Es folgt: Big Daddy Kane, noch so einer, der damals wie Obelix in die Ursuppe geworfen wurde. Das seltsame: Big Daddy Kanes Konzert wirkt gar nicht so sehr oldschool, die brettharten Beats sind ganz offensichtlich generalüberholt. So bleibt nur der alte General als Relikt und leider wird deutlich, dass Big Daddy Kane im Vergleich mit seinen Weggefährten nicht mehr soviel Luft in der Pumpe hat und auch Skillzmäßig doch ein wenig zurücksteht.

Organized Threat feat. Gavelyn ist für meine Mitreisenden ein absolutes Highlight, mir selbst ist es im vollbesetzten Bunker schlichtweg zu schwitzig und zu warm. Auf jeden Fall gibt es hyperaktives HipHop-Gebretter inklusive Punk und Elektroeinflüssen und mit absoluter Frauenpower. Das hat definitiv was. Ich weiß nur nicht genau was. Was? Was?

Der letzte Konzerttag beginnt für uns sehr spät, nimmt gegen Ende aber noch einmal so richtig Fahrt auf. El-P beweist leider, dass es nicht jedem HipHop-Act gut bekommt, mit einer Band zu spielen. Das musikalische Gerüst wirkt zu gewollt, zu aggressiv und nervt.

hiphop kemp, nachbericht, konzerte, campinggelände, bier, kendrick lamar, de la soul, big daddy kane, guilty simpson, apollo brown, fashawn, live, anreise, tschechien, pragDer König ist tot, es lebe der König. Seit einigen Jahren lässt sich trefflich darüber diskutieren, ob der alte König (das wäre wohl Eminem) angesichts einer unglaublich agilen Szene bereits für tot erklärt werden kann und wen man in diesem Fall zu seinen Nachfolger ernennen sollte. Kendrick Lamar machte keine Faxen und erhob sich wenige Tage vor dem Kemp selbst zum Oberhaupt der Szene. Die Krux hierbei: Irgendeiner hat irgendwann das Gerücht in die Welt gesetzt, dass der gute Kendrick ein miserabler Livekünstler sei. Das ist Quatsch. Am HipHop-Kemp ist der Rapper in großartiger Form, spielt ein absolut kurzweiliges Set mit klar gesetzten Reizpunkten. „Bitch Don´t Kill My Vibe“ und „Swimming Pools“ zergehen in experimentellen Beats, „Fuckin Problems“ kommt in einer Crossover-Version mit Atombomben-Power daher und zusammen mit Fashwan freestyled sich Kendrick durch die Control-Debatte. Einziger Kritikpunkt: Die Playlist ist zum einen viel zu kurz und beschränkt sich komplett auf „Good Kid Maaaad City“.

Zum Abschluss geht es noch einmal in die Bunker. Wer allerdings Retrogott&Hulk Hodn und Oddisee am letzten Tag mitten in der Nacht auf den Turntable knallte weiß ich nicht. Jedenfalls ist der Bunker bei den deutschen Sprachvirtuosen komplett gefüllt – das führt dazu, dass wir uns das entspannt vor der Bunkertüre geben. Mehr gibt’s (aus Mangel an Eindrücken) aber nicht zu sagen. Aus Panik vor einem ähnlichen Ansturm bei Oddisee pressen wir uns nach Konzertende durch die kleine Tür – nur um dann festzustellen, dass um 2 Uhr nachts nicht mehr sooooviele superentspannten und superintelligenten Rap hören wollen. Dementsprechend surreal erscheint die Oddisee-Show, der Künstler selbst hatte wohl genau das gewollt und pumpt sein ganzes Herzblut in das Konzert. Wunderbar. Perfektes Ende. Hört mehr Oddisee!

Die wunderbaren Videos und Bilder sind allesamt von der offziellen Facebook-Präsenz des HipHop-Kemp entlehnt. Merci!

Zeit Frisst Bild

Für jetzt und alle Zeit befreie ich mich von der menschlichen Unbeweglichkeit.

Zeit frisst Bild. Bild wird Zeit.

Asche zu Asche. Ende. Neu!

/Zeitsprünge sind erlaubt/

Herr Sorge – Theater Konstanz

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Mitten im Konzert von „Dunkelkammermusik“ versteht man als Zuhörer die Welt nicht mehr:Da steht links ein Riesenflügel auf der Bühne, an dem sich der hochdekorierte Jazzpianist Florian Weber virtuos abarbeitet. Da steht rechts ein futuristischer Instrumentenpanzer, aus dessen Inneren Produzentenlegende Jan van de Toorn im Robotoraufzug abgefahrene Elektrosounds abfeuert. Da steht zentral Herr Sorge, besser bekannt als Samy Deluxe, und singt in sich durch Popsong-Fragmente mit depressiv politischen Texten. Und das alles im altehrwürdigen Konstanzer Theater. Eigentlich passt das hinten und vorne nicht zusammen – wie in einem abgefahrenen Traumgebilde, in dem sich verschiedene, kontrastive Realitätsfetzen plötzlich homogenisieren.

Wer oder was ist Herr Sorge? Der HipHop-Kosmos reagierte irritiert als die ersten Gerüchte um ein neues Samy Deluxe Projekt aufkeimten. Der Hamburger HipHop-Urvater setzte konsequent neue Spuren, die aber allesamt im Nichts verliefen. Immerhin offenbarte sich nach ersten Interviews der Genpool des Projekts: Herr Sorge trägt ein abgeranztes, schäbiges Outfit und sieht die Welt mit anderen Augen: Als dunklen, kapitalistischen, korrupten, hoffnungslosen Moloch, den es radikal zu kritisieren gilt. Das Album „Verschwörungstheorien mit schönen Melodien“ setzte dem ganzen Wirrwarr die finale Krone auf: Die Scheibe präsentierte sich sowohl soundtechnisch, als auch thematisch absolut überfrachtet. Herr Sorge entrollte sich einen Dschungel von Effekten, Autotune, Beats und Sounds. Kurzum: Das Album war für jeden, der ein normales Pop-Hörerlebnis erwartete de facto nicht konsumierbar. Die Samy Deluxe Fans reagierte brüskiert, panisch, beleidigend. Ob das von Herr Sorge so geplant war, ist bis heute nicht geklärt.

Für das Live-Produkt hat sich Herr Sorge nun eine komplexe künstlerische Basis geschaffen: Im eingangs beschriebenen Kontrastfeld entwickelt sich live ein ganz ungewöhnlicher, experimenteller Sound, der aber im Gegensatz zum Album wirklich funktionieren will. Van de Toorn lässt es zwitschern, wummern und ziepen, während Herr Sorge (der ganz offensichtlich an seiner gesanglichen Präsenz gearbeitet hat) mit der ihm angeborenen Lockerheit und fast bluesartigen Coolness seine Strophen reproduziert. Der musikalische Kit ist aber Weber, der mit seinem schieren Talent, die anderen Bausteine zusammenflickt und noch Raum für jazzige Improvisation findet.

Natürlich wirft eine derart radikale Metamorphose der musikalischen Identität die Frage auf, ob es nicht vollkommen legitim ist, dass ein Künstler sich verschiedene Alter-Egos, Versionen und Rollen zulegt. Im Hiphop-Kontext funktionierte das nicht: Die Szene konnte Herr Sorge nicht von Samy Deluxe loslösen – das durchaus zahlreich erschienene Publikum in Konstanz schafft diesen Schritt und bietet dem Projekt damit einen kreativen Nährboden für die vollzogene Rekontextualisierung. Und „Dunkelkammermusik“, wie sich das Gesamtprojekt nennt, nutzen diesen Freiraum mit einer überschäumenden Lust am Grenzen aushebeln: Während eines Gedichts klettert Weber in seine Flügel und macht in den Innereien ganz neue Tonabnehmer aus. An einer anderen Stelle setzen die drei Protagonisten ihre Iphones als unberechenbares Instrument ein. Dann übersetzt Keller alte Samy Deluxe-Parts und Wortfetzen in eine jazzige Komposition. Und weil am Ende Herr Sorge noch Samy Deluxe´ legendären Hit „Weck mich auf“ „covert“, schließt sich dann doch noch der Kreis aus Jazz, HipHop, Elektro, Experiment, Politik, Theater und Wahnsinn zu einem runden, merkwürdigen Gesamtkonstrukt.

 

Thees Uhlmann und Band – Kulturladen Konstanz

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Mutti, wir habens bis zum Bodensee geschafft!“ 

So wie Thees Uhlmann in den vollbesetzten Kulturladen stürmt, die Mundharmonika zwischen die Zähne geklemmt, ins Mikrofon knarzend und dann beinahe verbissen zu spielen beginnt, erfüllt das zunächst die Erwartungen all jener, die noch nie zuvor ein Konzert des ehemaligen Tomte-Sängers erlebt hatten. Die nämlich rechneten mit einer klassische Folkshow, einem sperrigen Singer-Songwriter-Konzert der alten Schule. Mit Mundharmonika, Gitarre und einer Band als dekorative Zugabe. Sie ahnen es: Es kam ganz anders.

thees uhlmann, konzert, live, bilder, kulturladen konstanz, album, casper, bericht, tomte, zum laichen und sterben ziehen die lachse den fluss hinauf, jay-z (4)Wer sich intensiv mit dem famosen Thees Uhlmann Solo-Debüt beschäftigt hat, dem drängte sich eine markante, fast gehetzte Spannung zwischen der niedersächsischen Heimat des Sängers und der weiten, urbanen Großstadtwelt auf. „Du kriegst die Leute aus dem Dorf, das Dorf nicht aus den Leuten/ Und ich weiß nicht wirklich, was soll es bedeuten.“ heißt es in „Lat: 53.7 Lon: 9.11667“ und im Kontrast dazu nur einen Song später: „Ich hab das schönste der Welt gesehen: Paris im Herbst“. Natürlich wurde der Rock´N´Roll an einigen einschneidenden Momenten seines Lebenslaufs von innovativen Entdeckungen aus ebendiesem Niemandsland zwischen dörflicher Heimat und restlicher Welt geprägt – man denke alleine an die Geburtsstunde des Triphop und die fast mütterliche Rolle die das Städtchen Portishead dabei spielte. Thees Uhlmann versteht sich in diesem Kontext aber eher in der Tradition des amerikanischen Country und Folk und Künstlern wie Conor Oberst, der ständig die engmaschige Beziehung zu seiner Heimat Nebraska rekurriert. Stichwort: Heartland. Herzensangelegenheit Niedersachsen. Den Vorbildern folgend öffnete Uhlmann, der mit Tomte stets solide Indie-Platten entwarf, die im Speziellen auf den letzten Jahren der Bandgeschichte ein wenig die Überraschungsmomente vermissen ließen, den Blick für neue heimatliche Einflüsse und weitschweifige Horizonte. So ließ es der Maestro auf seiner Platte aus allen Rohren streichen, klimpern, blasen und auf die Pauke hauen und schaffte tatsächlich das Kunststück, dass die instrumentellen Momente stellenweise die markanten Texte in den Schatten stellten. Entsprechend gespannt ist der unerfahrene Uhlmann-Konzertgänger im Vorfeld der Show auf ebendiese Varianten. Doch nun zurück zum Anfang.

Denn die klassische Singer-Songwriter-Masche hält Thees gerade mal eine Songlänge aufrecht. Dann offenbart sich: Der Liveact „Thees Uhlmann und Band“ ist als waschechte Rockband zu verstehen. Und hier regiert einzig und allein handfester, schweißtreibender Rock´N´Roll: Sägende Gitarren, massive Bassanschläge und Highspeed-Schlagzeuggehämmer. Selbstredend lässt sich in dieser Konstellation kein fragiler Folk reproduzieren – und das ist in diesem Fall total egal.

thees uhlmann, konzert, live, bilder, kulturladen konstanz, album, casper, bericht, tomte, zum laichen und sterben ziehen die lachse den fluss hinauf, jay-z (2)Denn Thees Uhlmann hat mächtig Lust auf energetisches, ungezähmtes Konzert. Und in der vergilbten Lederjacke, mit den nach hinten geklatschten Haaren und auf großartig schummrig ausgeleuchteten Bühne, wirkt der Sänger beinahe so, als wäre er direkt aus der Zeitkapsel gestiegen. Nicht wie der junge Dylan, sondern wie der elektrifizierte Dylan, der gerade den Verstärker für sich entdeckt hat. Die angesprochenen Instrumental-Erlebnisse bleiben glücklicherweise nicht ganz auf der Strecke. Das liegt in erster Linie an der famosen Pianistin Julia Hügel, die, ganz Frau, immer wieder beinahe zärtlich zwischen die Testosteron geschwängerte Performance dazwischenfährt. Besonders den Hit „Zum Laichen und Sterben ziehen die Lachse den Fluss hinauf“ schiebt das Klavierthema konzentriert an, ehe die Komposition in einem wilden Gitarren-Orkan und Uhlmannschen Brüllen zerberstet. Überragendes Highlight das Konzert sind aber jene beiden Songs, die Thees zusammen mit dem Rap-Aufsteiger Casper eingespielt hat: Der eine, „Und Jay-Z singt uns ein Lied“, wird immer schneller und schneller und dreht sich um den Refrain, der zum mitgröhlen einlädt, der andere „XOXO“, schwingt sich aus dem nichts zu einer regelrechte Postrock-Wand mit HipHopanstrich auf, die einem im Publikum förmlich erdrückt. Paradox: HipHop gilt als die urbanste aller Jugendbewegungen – mit diesen zarten Brüchen spielt das Konzert immer wieder.

Die Phase zwischen den Songs gehört dann wieder voll und ganz der Heimat. Etwa wenn Thees über seine Jugend als Dorf-Heavy-Metaller referiert, von der Identitätssuche, die den Dorfschmerz übertünchen sollte. Oder wenn er von der Postkarte nach Hause erzählt: „Hallo Mutti, wir habens bis zum Bodensee geschafft.“ Und dann wird wieder gespielt, mit voller Inbrunst. Gegen den Dorfschmerz.

Southside-Festival 2013 – Take-Off-Gewerbepark Neuhausen Ob Eck

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Da sitze ich jetzt. Geduscht. Sauber. Die letzte Dose 5.0 an den Lippen, die Haut schält sich von der Nase. Post-Southside-Depression. Irgendwo im Schädel sind die Konzert-Erinnerungen, Eindrücke vom Boden der Raviolidose!

Eins vorweg: Das Southside-Lineup 2013 wäre um ein Haar das subjektiv beste der Geschichte geworden. Dann hagelte es hochkarätige Absagen (Modest Mouse und Belle&Sebastian) und auch der Timetable fraß einige spannende Acts (allen voran Frightened Rabbit, Tyler The Creator und Modeselektor) erbarmungslos auf. Trotzdem blieb ein bunter, wilder, schmackhafter Eintopf übrig. Greift zu:

Masters Of Reality markieren einen idealen Festivalauftakt: Eine halbe Stunde Stonerrock-Geschrammel der alten Schule. Schmutzige Riffs, versoffene Stimme. Auf der Wiese siffen, Kippe, Bier, Sonne. Herzlich Willkommen Southside-Festival.

Alt-J sind wohl die ultimative, die finale Hipsterband. Locker-, nein federleichter Indie, total überspulte Klimpersounds und elektrisches Rumgeduddel. Und doch ist das klasse. Spannend. Eletrifizierend. Tatsächlich schaffen Alt-J ihren Album-Sound ganz glockenklar zu reproduzieren und schustern ein technisch gigantisches Live-Gebilde. Viele Hippie-Mädchen singen mit geschlossenen Augen. Passt!

Southside-Festival, Bilder, Live, Videos, Berichte Bands, Neuhausen, Rückschau, Rammstein, Smashing Pumpkins, Portishead, Sigur ros, Green Stage, Nofx, The Hives, Kasabian, Editors (7)Archive Liveperformances besitzen eine ganz eigene Energie: Die einzelnen Bandbestandteile scheinen regelrecht gegeneinander anzuspielen. Ein Elektrobeat brettert ungebremst gegen eine Gitarrenwand, die hohe Stimme von Sängerin Marie Q zerschellt an dem markanten Organ ihres Gegenübers Dave Penney und die bekannten Songstrukturen implodieren in wilder Improvisation. Selbstredend entladen sich die angesprochenen Spannungen immer wieder in einem harmonischen Miteinander. Zwar gelingt es der Band am Southside nicht ganz, die epische Bandbreite ihrer grandiosen Live-DVD „Live in Athens“ zu reproduzieren (was definitiv auch an der zu knapp bemessenen Spielzeit liegt), trotzdem hinterlässt die Konsequenz, mit der Archive die bekannten Strukturen in furiosen Experimenten ad absurdum führen, offene Münder.

Southside-Festival, Bilder, Live, Videos, Berichte Bands, Neuhausen, Rückschau, Rammstein, Smashing Pumpkins, Portishead, Sigur ros, Green Stage, Nofx, The Hives, Kasabian, Editors (29)Zeitreise in die Vergangeneheit: Halbschuh-Dorfpunk in der schwäbischen Provinz. Immer auf den illegal zusammengestellten Mixtapes: NOFX und The Hives. Das ist der Soundtrack meiner Jugend. Und zack: Jetzt gibts endlich das Live-Erlebniss. Zwar abseits der Pogokreise, aber trotzdem angenehm berührt. Hits wie „Stickin In My Eye“ oder „Hate So To Told You So“ sind einfach Alltime-Klassiker. Kulturelles Gedächtnis der Festival-Welt.

 

Billy Corgan war schon immer ein eigenartiger Charakterkopf (und damit meine ich nicht nur den markanten Kahlschädel). Der Frontmann der Smashing Pumpkins war Zeit seines Lebens als Rock´N´Roll-Star arrogant, verschlossen, seltsam. Die einen liebten diese Attitüde, verehrten Corgan wie einen Halbgott, die anderen blickten genervt zur Seite und verschlossen sich auch Corgans Musik. In den letzten Jahren ist der Ruhm der Pumpkins zunehmend verblast (2007 hatte man noch Rock am Ring geheadlined) – und doch ist Corgan der einzige Künstler des gesamten Festivals, der sich nur aus der Ferne fotografieren lässt (obs am eindeutig zu engen T-Shirt lag?). Doch genug Gehate, denn eines ist klar: Corgan ist ein fantastischer Songwriter, ein starker Gitarrist und außergewöhnlicher Sänger. Und das ist schlussendlich was zählt: Das Konzert ist dementsprechend erste Sahne. Zunächst spielt Corgan das verjammte, esoterische neue Material, dann hangelt er sich durch den Lianenwald seiner alten Hits („Disarm“, „Tonight“, „Bullets with Butterfly Wings“ in einer Reihe – woaaah!) und treibt dem Publikum ein breites Joker-Lächeln in Gesicht.

Ben Howard. Zelthead. Tausende verliebte Fan-Mädchen. Über sensibles Gitarren-Geklimper. Dahin gesurfte Singer-Songwriter-Mucke. Mitgesinge. Genuschel dazwischen. Ohrenbetäubende „Woooooooooooh“´s. So schön! Am Zeltplatz Slayer gegen die Überdosis!

Southside-Festival, Bilder, Live, Videos, Berichte Bands, Neuhausen, Rückschau, Rammstein, Smashing Pumpkins, Portishead, Sigur ros, Green Stage, Nofx, The Hives, Kasabian, Editors (17)Als Macklemore vergangenes Jahr auf dem Frauenfeld vor fast leeren Gelände und um gefühlt halb sieben Uhr morgens eine dermaßen inbrünstige Show spielte, dass einem die Ohren schlackerten, hatte alle Anwesenden das merkwürdige Gefühl, Zeuge eines denkwürdigen Moments geworden zu sein. Auch das Southside war überzeugt, buchte den Rapper und seinen kongenialen DJ Ryan Lewis kurzerhand für die erste Bandwelle und bewies damit absoluten Schäferhund Spürsinn. Denn ein Jahr später ist Macklemore ein allgegenwärtige Superstar. Erist überall. Der geplante Auftritt auf der Zeltbühne wäre wohl in einer Katastrophe geendet, aber auch die Verlegung auf die Bluestage ist grenzwertig. Bereits gegen 13 Uhr beginnen die Massen im „Herr der Ringe“-Schlachtenstyle gen Festivalgelände zu marschieren. Und der Strom bricht über gefühlte Stunden nicht ab. Absoluter Nachmittagsrekord! Das Konzert selbst ist aber enttäuschend. Ungefähr ein Drittel der gerade einmal 35 Minuten Spielzeit wird leider von Macklemore verlabert (alles gut und recht, aber wenn du doch eh nur ne halbe Stunde auf der Uhr hast, Mensch, dann spiel Songs. Dann spiel verdammt nochmal „Otherside“), der Bass ist übersteuert, sowohl Beat als auch MC bewegen sich teilweiseneben der Spur. Wollen wir hoffen, dass die Southside-Macher Backstage mit einem Headliner-Vertrag wedelten.

Southside-Festival, Bilder, Live, Videos, Berichte Bands, Neuhausen, Rückschau, Rammstein, Smashing Pumpkins, Portishead, Sigur ros, Green Stage, Nofx, The Hives, Kasabian, Editors (32)The National spielten – und hier ist der Superlativ und alle Euphorie einfach mal dermaßen angebracht – das beste Konzert des Wochenendes, vielleicht der Festivalgeschichte. Was Sänger Matt Berninger da abzieht, lässt sich metaphorisch nur mit einem Hattrick im Championsleague-Finale oder einem Quadruple-Double in den NBA-Finals vergleichen. Nicht nur dass der Frontmann seinen schon auf Platte allmächtigen Bariton mit literweise Kraft, Emotion und Energie auffüllt, darüber hinaus ist Berninger einfach ein begnadeter Entertainer, der vielleicht beste Frontmann der Welt. Berninger besingt zwar tieftraurige, magisch-melodische Hymnen, killt während des Konzertes im Vorbeigehen aber eine Flasche Weißwein und ist spätestens zum Ende seiner Show besoffener als alle versammelten Punks, Metal-Heads und Rapper. Der Show selbst tut das keinen Abbruch, weil Berninger einfach immer weiter singt und immer noch besser wird. Weil er schreit und jault und schlägt und zu guter Letzt durchs gesamte Publikum marschiert. Da geht selbst dem Wettergott das Herz auf, weg mit dem Wolken-Pulli. The National wird in warmes Gold getaucht. Gänsehaut. „Conversation 16“ überbordet vor Schönheit, „Terrible Love“ ist schlichter Wahnsinn und über „Fake Empire“ wurde schon alles geschrieben. Größer geht’s nicht. Ach halt, einen kleinen Wermuttropfen gabs dann doch noch zu verschmerzen. „The Rains Of Castamere“ vom Game of Thrones-Soundtrack wurde trotz Aufforderung nicht gespielt. Dafür reissts Berningers Erklärung raus: „We can´t play it. It will start a war out there. I´m a fucking lannister!

 

Die Angst, dass Rammsteins brachialen, erbarmungslosen Metalsounds das fragile Portishead-Gebilde zerfetzen würde, ließ die Southside-Tontechniker die Boxen auf der blauen Bühne in Richtung Anschlag drehen. Das Resultat: Der Sound beim Auftritt von Portishead ist sensationell gut, das Konzert toppt die Show von vor zwei Jahren um Längen. RATRATRATRATRAT! Machine Gun! Sound-LKWS. Massenkarambolage. Dazwischen Beth Gibbons im Stile einer Prozellanvase, die ständig hin und her wippt. Die Gefahr der Zerschellens ist allgegenwärtig, gegen die Angst wird die TripHop-Ursuppe in dicken Kellen ausgeschenkt. Und am Ende waren alle Sorgen umsonst. Das Rammstein-Feuerwerk am Himmel ist die ideale Ergänzung zum furiosen Portishead-Finale.

Rammstein der unbestrittene Headliner und Mainstream-Aushängeschild lässt es nach allen Regeln der Kunst krachen: Die Bühne brennt, meterhohe Flammen schießen aus den unterschiedlichsten Gerätschaften und dazu sägt Sänger Till Lindemann seine markante Stimme in die jaulende Metalvorhölle. Rammstein ist gleichermaßen verzerrtes Konzert und größenwahnsinniges Theater. Lindemann gibt den muskelbepackten Mephisto, der martialisch seine Band durch den Fleischwolf dreht, mit dem Flammenwerfer röstet und unterwirft. Und schlussendlich ist Rammstein die Definition eines Blockbusters, der vor allem eines liefert: Erstklassige Unterhaltung mit überschaubaren Anspruch,Popcorn-Kino eben – zurücklehnen (sofern das in der Festivalmenge möglich ist) – genießen! Da klappen gefühlte 10000 Mundwinkel synchron nach unten.

 

Southside-Festival, Bilder, Live, Videos, Berichte Bands, Neuhausen, Rückschau, Rammstein, Smashing Pumpkins, Portishead, Sigur ros, Green Stage, Nofx, The Hives, Kasabian, Editors (39)Als wären Postrock und Isländisch nicht jeweils für sich schon kompliziert genug. Sigur Rós erweitern das Ganze um eine eigens entwickelten Fantasiesprache und einer abgefahrenen Gitarren-Technik: Sänger Jónsi Birgisson streicht mit einem Geigenbogen zärtlich über die vibrierenden E-Gitarrensaiten. Diese feine Nuancen machen Sigur Rós zum absoluten Must-See, zu einem Liveact von Orkanstärke. Zunächst bläst da nur ein warmes Streicherlüftchen, das Jónsi zerbrechliche Stimme ein Stück umweht. Dann werden die Einschläge massiver: Dunkler, dumpfer Trommeldonner und wummernde Herzschlagbeats pusten ins Publikum, ehe der isländische Postrock-Sturm um sich greift und alles mit sich reißt. Poetry in Music, Sound, Motion. Pure, vertonte Schönheit.

Little Talk“ von Of Monsters And Men ist ein ultimativer Radiohit. Ein Ohrwurm, den jeder mitsingen kann, den man eigentlich mögen muss. Entsprechend eng gestaltet sich auch die Situation vor der Green-Stage: Of Monsters And Men spielen vor einer Menschentraube, für die sich selbst ein Headliner nicht schämen müsste. Dazu schält sich die Sonne langsam aus einer dichten Wolkenschicht und sorgt für eine fast perfekte Festivalstimmung. Man sollte die Isis auf keinen Fall auf ihren Überhit reduzieren. Das Debtalbum „My Head Is An Animal“ schuf eine losgelöste Atmosphäre und auch live haben die jungen Isländer bereits eine hohe Qualität. Keyboardsounds, Trompetensolos, Streicherelemente, das Spiel mit zwei Stimmen – der Konzerttisch ist reichlich gedeckt und trägt Referenzen wie Arcade Fire oder The Decemberists offen zur Schau. Trotz allem wirkt das Konzert ein wenig zu abgeklärt, es fehlt ein Funken Enthusiasmus. Das kann an der Tagesform liegen, vielleicht hätten Of Monsters And Men ein homogenerer Aufstieg und ein, zwei Jahre mehr in den kleinen Clubs gut getan. 

Southside-Festival, Bilder, Live, Videos, Berichte Bands, Neuhausen, Rückschau, Rammstein, Smashing Pumpkins, Portishead, Sigur ros, Green Stage, Nofx, The Hives, Kasabian, Editors (42)Editors schalten beinahe mit jedem Song einen Gang nach oben und bezeugen im fälligen Beschleunigungsvorgang ihr Gespür für hymnische Songstrukuren und magische Sekunden. Besonders besonders sind die Editors immer dann, wenn sich Smith ans Piano setzt und inbrünstig losklimpert. Das musikalische Repertoire des Birmingham-Quintett reicht indes von formidablen, vielschichtigen Alternative-Bauten („Smokers Outside The Hospital Doors“), über eingängige, überbordende Post-Punk-Granaten („An End Has A Start“) bis zu elektronischen, wummernden New-Wave-Perlen („Papillon“), die live allesamt noch eine Spur mehr Würze besitzen. Hit an Hit.

Als die Arctic Monkeys 2006 erstmals auf dem Southside-Festival aufspielten, hätte nach dem Auftritt wohl kaum einer einen Pfifferling darauf gesetzt, dass diese Band irgendwann als Headliner nach Neuhausen zurück kommen würde. Die Monkeys waren zu diesem Zeitpunkt als erste Band weltweit durch einen Internet-Hype in Sekundenschnelle zu Superstars mutiert und zeigten bei ihren ersten Konzerten auf deutschen Boden nicht viel mehr als Arroganz und technisch unausgereifte Livepräsenz. In der Folge nahm die Band aber eine ganz und gar außergewöhnliche Wandlung: Aus dem eingängigen (und zweifelsohne noch heute bahnbrechenden) Garagenpunk des Erstlings hat sich mittlerweile ein dunkler, unberechenbarer Blues entwickelt. So entsteht zwischen den beiden Spielarten ein furioses, anspruchsvolles und vor allen Dingen kurzweiliges Konzert. Leadsänger Alex Turner (im gestreiften Jacket, mit Elvismatte) hat sich zu einem Frontmann von Weltformat entwickelt, der am Bühnenrand Gitarrensoli jaulen lässt und vor allen Dingen stimmlich eine ganze Farbpalette von Stimmungen abstreichen kann. Nicht auszudenken, wohin die Reise der Arctic Monkeys hinführt, wenn ihre Entwicklung ungebremst weiter schießt.

 

Die durchweg fantastischen Bilder hat mein werter Kollege Olli Hanser geschossen. Ich bedanke mich ganz herzlich für die Bereitstellung! Weitere seiner Bildergalerien (auch von Rammstein), sowie Texte meinerseits findet ihr unter http://www.suedkurier.de/southside./