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Interview mit Langtunes (Iran) und Ramzailech (Israel) im Zuge der Secret Handshake Tour

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Das anhaltende politischen Krisengemenge im Nahen Osten ist 2015 präsenter als je zuvor. Kriege, Krisen, Terror, Jahrhunderte andauernde Fehden und Feindschaften, zerschossene Kultur, wohin das Auge reicht. Positive Meldungen sind kaum zu vermelden oder werden von den allgegenwärtigen Hiobsbotschaften einfach verschluckt. Doch mitten in diesem scheinbar undurchdringbaren Strudel der Gewalt und Unterdrückung, haben sich zwei Bands aus zwei Welten zusammengefunden, um gemeinsam gegen den Strom zu schwimmen, sich die Hände zu reichen und gemeinsam zu „Devil Horns“ zu formieren – als Zeichen des Friedens, aber auch der Rebellion. Ramzeilech aus Israel und Langtunes aus dem Irans gehen im November gemeinsam unter der Fahne „The Secret Handshake“ auf Europatournee und spielem 24.11. auch im Konstaner Kulturladen und präsentieren auch abseits des natürlich präsenten politischen Diskurs, einen außergewöhnlichen, vielschichtigen Konzertabend. Denn während die Langtunes eine eingängigen, konzentrierten Indierock spielen, sind Raumzelech echte Pioniere im Feld des „Electric Hardcore Klezmer“.Im Gespräch mit RisseImAsphalt sprachen Behrooz, Frontmann der Langtunes und Ramzailech Gitarrist Amit über ihre Heimat, kulturelle Unterdrückung und eine einzigartige, musikalische Freundschaft. (Das nachfolgende Interview habe ich in englisch veröffentlicht. Allerdings ist das Gespräch gekürzt und übersetzt im Südkurier erschienen (KLICK!))


How does rock music function in your home countries? Is there a real alternative scene?

Langtunes: „There’s no function in which you can describe the way rock music is working Iran. Meaning, there’s no official platform, opportunity or ways, for the musicians to work. But of course, you can’t stop the people from doing what they wanna do! So people go to the underground and start doing what they wanna do under the radar of the government! If there’s not a chance to publish some kind of a music, they do it online. If there’s not a concert allowed, they do it in their basements and private parties. If there’s not a chance to make ssome kind of a movie, you do it illegally and screen it outside of Iran, if there’s not a chance to have a fashion show, you build up your own stage and you invite people around you and do it in private, and it goes on and on…So there is a function sort of , for the alternative scene to say, but it’s all working in the underground.“

Ramzailech: „Rock and heavy music is a big part of our musical language. We, Gal and Amit, grew up together but listened to a lot of different music. So between the two of us there’s anything from traditional Klezmer music like Dave Tarras and Giora Feidman to heavy industrial influences like Das Ich, Ministry and Oomph. That diversity between our influences is a key factor to the sound of Ramzailech. There are some amazing bands here in Israel that play all genres from straight-ahead rock to doom and noise. Some get a chance to go overseas and have some sort of recognition while others stay under the radar. You should check them out!“


Especially in Iran it is forbidden to spread Western music – did you often come into conflict with the law? How could the establish the Langtunes under these circumstances? In germany a lot of people recognized the succes of „Taxi Tehran“ – are there many artists who set against the current politcal situation Iran?

Langtunes: „As long as you stay under the radar, you’ll be fine! You need to be smart, and know your way around! Of course, there were some trouble for us with the officials over the years, but nothing that big that could stop us from working. And it all depends on how big you get with your audience inside Iran. If you would catch some big attention inside or outside of Iran, then you might get into trouble, as did the guy who made this “Taxi Tehran” movie, who ended up in jail. So of course there’s trouble on your way, but you never know what the consequences would be!“


And what about Israel? What to the people think, when you tell them that you are on tour with a band from Iran?

Ramzailech: „We weren’t sure how people would react to the idea, but the more people we’ve talked to, we we’re happy to learn that people are interested and supportive: We we’re playing a festival in Israel and during the show we told the audience about the tour and we got a round of applause. That was an amazing feeling.“


How did the meeting between your two bands go? Did you understand each other immediately? Was there sympathy between your groups from the beginning?

Langtunes: „From our perspective, it was as much unimportant where the guys from Ramzailech are, as it could be! We had the communication, as humans, musicians, with the same goal and same spirits. We were easy together, and later came the thoughts of being from these two “forbidden to meet” nations. So that brought us to the thought of “hey, does it really matter where you come from?” and enjoying this concept of a humanistic relation between two groups of people who are not “supposed” to be friends together, but ended up being so, we thought of working with it, showing it to the other people as well, and promoting this way of thinking. No matter how open minded we are, or whether or not we are super intellectuals, we often see people having these borders in their head. “where are you coming from?” is a question people ask each other everyday, and so follows the tags, the prejudices and thoughts towards each other, depending where we are coming from. That’s what we didn’t feel! That’s what we are trying for the people to realize!“

Ramzailech: „We’re all people, we met each other, got along from the very first moment, had a great concert together and that was that. That’s how easy it was. Maybe we owe some credit to the turkish restaurant we ate at after the show. Food always helps. But that’s all you need, people who want to do something cool and just decide to go for it.“

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Who had the idea to do a tour together and what about the idea to start this whole project over Crowdfounding?

Langtunes: „The idea of a common tour actually came from our manager Elnaz Amiraslani who´s also an Iranian and music-promoter in Germany who connectet us 2014. With all of us talking after the one show last year, over the points I mentions above we were positive with that idea right away. And of course, we had two ways to make it happen. Ask for sponsoring and official helps, or go with it on our own. Asking the officials, would mean that we had to take political sides or to send out political messages to the one side or the other, and we wanted to stay away from all these. So the other option was to involve people with it, and ask for them to take part in this peace promoting project.“

Ramzailech: „The tour felt right for everyone. When we met Elnaz, who manages Langtunes, it felt like there’s a team that could make it happen. Booking a tour is a lot of work anyways so why not do it with two bands from Israel and Iran? We keep politics away from the music, so it made more sense to have more support from crowdfunding rather then involving the government.“


Two bands from two worlds – with completely different cultural background and who play totallay different musical genres: What can I as a visitor expect from the Secret Handshake Tour? Is it all about music? Or will you also do discussions or lectures?

Ramzailech: „Langtunes is one of the coolest bands in Europe right now. It doesn’t matter if they’re from Iran, Australia of from Mars. They’re a good band. When we play a Ramzailech concert, we do everything we can to play the best show we’ve ever played. That’s what it’s all about for us. We’re more interesting on stage playing our fucking asses off than in a room with a powerpoint slide talking about falafel.“

Langtunes: „Mostly this is about two bands, following up their dreams, no matter where they come from, who they are, and what their cultural backgrounds are. You should expect to see two bands putting all their efforts to rock the shit out of the stage! Of course, after that, you can think about, this rocking off, came from two bands, who are not supposed to be on the same stage, who are not supposed to be friends, who are not supposed to meet each other at their homelands, and who are not supposed to share the same dream, but music, is one thing that could connect people globally to share the same experience and talk the same language!“

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How important is such a symbolic handshake especially in the current political reality?

Langtunes: „People are the ones responsible for making any sort of differences in this world. And of course, if people start moving out of the borders from their heads, removing tags and names and nations from their way of thinking, and connecting with one another, more peacefully and more humane, we would be living in a more beautiful world. And if this tour can make even one person think like this, we can say that we already made some changes.“

Ramzailech: „That’s a very deep question but the answer is very simple: Music. Music is why we do this. Musicians do things that politicians couldn’t dream of: they connect people, they don’t even need words to do so. As long as people can come together and do that, we’re optimistic.“


Do you expect restrictions and problems in your home country after the tour?

Langtunes: „Of course the two governments need this conflict to use it for their benefits, politically. And of course if this really begins to make some changes, they will be pissed off, and of course we are thinking of all the risks. Could be lethal for us, or could be nothing in the end. We’ve always been risk takers in what we’ve been doing. Risk, stress, and rebellion has always been a part of rock n’ roll. We’re young, wild, and full of rock n’ roll!“

Ramzailech: „I’m a big fan of ‘club-mate’, so whenever I’m in Germany, I’m hooked. it’s almost impossible to find it Israel so that’s a very possible case of problems and restrictions.“


What have you planned for the future?

Langtunes: „A more peaceful world. A more successful career for both of our bands. A great audience who are thinking free and enjoying our shows and spreading our music and sharing our hopes and dreams and passion!“

Ramzailech: „We’re releasing our album “Tsuzamen” in a few weeks, that’s a dream coming true. We’re already in the studio working on more new music. Also, somewhere in the near future, we hope to take a day off and rest, but not yet.“

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Steaming Satellites – Kulturladen Konstanz – 14.03.2012

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Das Konzert beginnt ohne Musik, ohne erkennbare Songstruktur: Da sind nur Fragmente, ein tiefes, einnehmendes elektrisches Rauschen, das sich hypnotisch zu einem Wirbelsturm der Effekte auftürmt, ehe durch kaum wahrnehmbaren Schlagzeugeinsatz erste Spuren von gängigen Hörmomenten erkennbar werden. Erst dann weht diese wabernde, tiefschwarze Stimme in den Kulturladen, erst dann schwappt der wummernde Puls des Basses dazu, erst dann kriecht die erste Blueskomposition aus den elektrischen Blitzen. Steaming Satellites!

Doch zunächst zur Vorband, denn die hat es in sich: Hustle & Drone sind das neue Bandprojekt des ehemaligen Portugal. The Man Musikers Ryan Neighbors und überraschen bereits in Sachen Bühnenaufbau. Gleich drei Synthesizer prangen zentral auf der Bühne und werden soundtechnisch nur von einer Gitarre und gelegentlichen Tamburin-Geschepper ergänzt. Im dabei entstehenden, brachial basslastigen Sound offenbart sich schnell die Wahlverandtschaft zu Formationen wie Future Islands, aber auch zu Veteranen wie Depeche Mode. Nur die gelegentlichen Kopf-Stimmen-Ausflüge sind wenig to-much. Aber zurück zum Hauptact:

sänger max borchardt (2)_3283x2462Die Liveversion von „Witches“ sticht zunächst heraus: Die erste Schicht ist ein rhythmisches Klatschen, dass schon bald von Elektroeffekten überstrichen und durch Max Borchardts formidable Stimme um eine gehörige Portion 70-Jahre Sehnsüchte erweitert wird. Im Refrain tönt dann alles mit- und gegeneinander an, während kleine Diskostrahler die Bühne von unten herauf in ein abgespacetes Lasernetz verwandeln. Popmusik von solcher Bandbreite wird für gewöhnlich in kreativen Melting Pots wie New York oder Berlin gebraut. Doch was den musikalischen Stammbaum angeht sind die Steaming Satellites ein echter Exot: Denn das Quartett stammt aus Österreich, genauer gesagt aus Salzburg und enterten die Independentszene ohne Zwischenschritt mit einem Paukenschlag. Ihr Debüt „The Mustache Mozart Affaire“ war eine Offenbarung von immenser Bandbreite und einer fast erdrückenden Dichte an Überraschungseffekten, sodass die Reflektion über den ausgereiften Erstling schon bald ein ganz neues Gene heraufbeschwor: Spacerock. Das klingt tonnenschwer und abgehoben und doch erspielten sich die Österreicher schon bald den Ruf einer formidablen Liveband irgendwo im Niemandsland zwischen Pink Floyd, Oasis und Kraftwerk. Spacerock eben. Vor einem Monat legten die Steaming Satellites ihre zweite Scheibe „Slipstream“ nach und präsentierten weitere Nuancen in ihrem ohnehin schon überquellenden Spektrenuniversum. Die Szene ist nach wie vor ein wenig sprachlos.


Immer wieder schälen sich live die einzelnen Versatzstücke aus dem bis dato leeren Musikraum und fügen sich trotz unterschiedlicher Ansätze wie Puzzlestücke millimetergenau ineinander. Drummer Matl Weber könnte einer Punktruppe entstammen, sein Spiel ist wild und fundamental, während Keyboarder Emanuel Krimplstätter eher mit dem Habitus eines Krautrockers aufwartet und scheinbar eins mit seinen Gerätschaften wird. Dazu spielen sich Borchardt an der Gitarre und Bassist Manfred Mader über ihre Saiten beinahe bluesartig die Bälle zu und erweitern dabei die Impulse des Gegenübers oder lassen diese brutal entgleisen. Entsprechend breit gespannt ist der Rahmen für Improvisation und Jam, der sich in diesem Zwittergebilde aus dreckigen 70er-Rock, arroganter 80er-Disko und gegenwärtigen Indie zeigt. Und doch scheint ein Funken zur finalen Zündung zu fehlen, das Konzert wirkt mitunter ein wenig unterkühlt.

Am Ende des regulären Sets spielen die Steaming Satellites das aberwitzige „How Dare You“, bei dem Max Borchardts Organ vollends im Mittelpunkt steht und das Publikum regelrecht in sich hineinsaugt, ehe während der Zugabe Hustle & Drone die Band zu einer siebenköpfigen Jam-Hydra anschwellen lassen. Und dann, ganz zum Schluss, wird der Stecker gezogen und die Beatmaschine gegen ein Akkordeon getauscht. Die Salzburger Spacerocker beenden ihr Konzert mit herzzerreißenden Folknummer. Was für ein radikaler, finaler Bruch. Was für ein Moment. Das ist sie, die finale Satelliten-Zündung.

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Cosmo Jarvis – Kulturladen Konstanz – 05.02.2013

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Als seine Bandkollegen die Bühne entern, sitzt Cosmo Jarvis noch am Bühnenrand und schafft sich an den abstehenden Saiten seiner Mandoline ab. Das ist typisch. Mit seinem kurzgeschorenen Schädel und dem kantigen Habitus sieht der Singer-Songwriter ziemlich genau so aus, wie man sich einen südenglischen Malocher vorstellt. Doch wer Cosmo Jarvis unterschätzt macht einen gewichtigen Fehler: Bereits die ersten Minuten Konzert offenbaren seine ungeheure Bandbreite: Cosmo intoniert mit „Love This“ und „She Doesn´t Mind“ sein wohl eingängigsten Songs. Ersterer beginnt mit einem entspannten Ska-Beat-Gerüst und treibenden, fröhlichen Gesangszeilen, aus dem sich dann mehr und mehr ein herrlicher Popsong schält, der in einem, von Streicheranspielungen unterstrichenen Ohrwurm-Refrain ausufert. „You Don´t Know How Much I Love This.“ Eindeutige Aussage, klares Signal: Leidenschaft ist das Stichwort! Zweiterer entspinnt sich im Reggae-Gewand, dazu versucht Cosmo in einer sensationellen lyrischen Argumentation seinen Songeltern die neue Herzensdame schmackhaft zu machen. Zwischendurch wird (im Songkonzept) geschrien, gejohlt, gejammt und als verdutzter Hörer hat man kurz das Gefühl einem ganzen Albummedley beizuwohnen. Fantastisch!

Cosmo Jarvis, Live, Konstanz, Kulturladen, Live, Bilder, Videos (2)_2189x2918Will man einem Unwissenden in wenigen Worten die Musik Cosmo Jarvis erklären, kommt man automatisch ins Stottern: „Ja, der macht so Singer-Songwriter-Zeugs, aber irgendwie mit Reggae und so bisschen Punk. Und eigentlich auch HipHop. Aber seine die bekanntesten Songs sind klassische Popnummern.“ Cosmo Jarvis ist wirklich ein Phänomen. Ein Tausendsassa, ein Schnell-, Quer- und Vordenker, der irgendwie alles ein bisschen und alles gleichzeitig machen möchte. Mit gerade mal 23 Lenzen hat der Sohn einer armenisch-amerikanischen Mutter und eines englischen Vaters nicht nur einen Kinofilm mit sich selbst in der Hauptrolle abgedreht, sondern vor allem und in Eigenregie drei geradezu überquellende Alben aufgenommen. Dabei ging Cosmo Jarvis mit den Stilarten und Einflüssen des britischen Popgewürzregals ungefähr so feinfühlig um, wie ein englischer Eintopf-Koch: Ein bisschen Clash, Monks und Beatles, dazu Oasis, The Streets und HipHop- und Elektrozeugs. Das Bemerkenswerte dabei: Der exotische Stilmix ist zwar ein bisschen anstrengend, aber homogen und die Platten funktionieren als „Melting-Pot“ und idealer Soundtrack zum multikulturellen Londoner Großstadtgewusel. Dabei wurde Cosmo Jarvis 1989 in New Jersey geboren, ehe sein Eltern in den Süden Englands zogen, nach Devon – ins Dorf, ins Nichts. Die Isolation der Dorfgemeinschaft spornte Cosmo nach eigener Aussage nachhaltig an und bereits von klein auf sagte er sich immer wieder: „Ich werde nicht hier sterben.“ Während sich seine Mitschüler auf der Sportschule in erster Linie für Rugby interessieren, stürzt sich Cosmo wie ein Vielfraß auf Musik und Film und inhaliert ohne Filter Jahrzehnte britischer Popgeschichte. Heute sehen selbst Legenden wie Brian Eno in Herrn Jarvis „…eine neue Art von Künstler.“


Live tritt die Abwechslung allerdings ein wenig zurück: Vielleicht liegt es an der Besetzung, den Skillz der Band, vielleicht an der Tatsache, dass eine strukturierte Konzeption für Band wie Rezipienten ein geradliniges, unterhaltsames Musikerlebnis ermöglicht. In jedem Fall dominiert ein tanzbarer Bass und smoothes Bluesgeschrammel, dass immer wieder mit Punkelementen gebrochen wird. Dabei scheppert das Konzert zwar durchgehend kurzweilig, erinnert aber in manchen Momenten ein wenig zu sehr an die kanadischen gute Laune Rocker von Danko Jones. Cosmos Stimme indes ist ein Faszinosum: Der Brite ist keinesfalls ein feinfühliger, technisch sauberer Vokalist. Sein Organ ist ein grobes Reibeisen, ein leidenschaftlicher Dampfhammer, der ausbricht, losschreit, ausschreitet, weghämmert. Nur mit aller Kraft gelingt es Cosmo sie zu bändigen und ins passende Gewand zu rücken – das erzeugt wunderbare Spannung, die auf Konzertlänge von kurzen Kontrastpunkten gelöst wird. Eben dann wenn Cosmo zur Mandoline greift und wunderbare Folkmomente aufruft und fast wie ein Moritatsänger seine Geschichten erzählt.

Und am Ende überlagern sich eben doch die Assoziationen: Da ist die Funktion als spielerischer Chronist des britischen Popgeschichte (in Fragmenten und Momenten), da ist der postmoderne Ansatz (Zitat reiht sich an Zitat), da ist die Dopplung in Filmer und Musiker (die selbstproduzierten Videos seien jedem wärmstens empfohlen), da ist die, dem HipHop und Punk entliehene Arbeitsweise (Einstecken und loslegen!) und da ist die Großstadtatmosphäre trotz Kleinstadtbackground. So bleibt schlussendlich eines festzuhalten: Die (Ver)mischung machts im Cosmo Jarvis Kosmos – und zwar zu einer abgefahrenen Blüte der britischen Musikwelt. 

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Olli Schulz – Kulturladen Konstanz – 20.12.2012.


Wenn ein Künstler seine Show mit den Worten „Ich habe heute keine Band dabei – dafür eine Powerpoint-Präsentation.“ beginnt, weißt du Zuschauer, dass du dich auf einen Konzertabend der etwas anderen Sorte einstellen muss. Wenn die Powerpoint-Präsentation dann zu 99 % aus vollkommen abstrusen Tierbildern besteht, sollte dir klar werden auf was du dich eingelassen hast: Olli Schulz!

IMG_2936Es ist eine bizarre Szenerie: Berlinale, roter Teppich. Unter dem Motto „Das Leben ist eine Illusion, hervorgerufen durch Alkoholmangel“ versucht sich Charles Schulzkowski, angetrunkener Mittvierziger mit Hornbrille und geschmacklosen 70er-Jahre Mantel, als etwas anderer Society-Reporter und lädt die aufmarschierenden Medienvertreter nacheinander zu einem Drink mit sich ein. Deren brüskierte Reaktionen entlarven in der Folge den Filmkosmos als aalglatte Society-Welt – selbst ein Komiker wie Bully Herbig hat für Schulzkowski nur ein müdes, überarrogantes Lächeln und ein genervtes „So hab ich auch angefangen.“ übrig. Die Videosequenz aus der Fernsehsendung „Neo Paradise“ ist heute Kult – und Olli Schulz, der als Musiker seit zehn Jahren die weltbedeutenden Brettern deutscher Bühnen bespielte gilt heute als Unterhaltungsschnellfeuergewehr von Weltformat. (Hier (KLICK!) findet ihr mein komplettes Olli Schulz Portrait)

Olli ist der König der Anekdoten, er liebt das Erzählen (und zwar ein so-nach-fünf-Bier-erzählen, das erfindet, auslässt, hinzudichtet und neue Schwerpunkte findet) und so funktioniert die Show im KULA als Mischung aus Singer/Songwriter- und Stand-Up Comedy-Show Das Konzert ist seit Wochen ausverkauft und bestuhlt, weil Olli sich ob der „ausdruckstanzenden Hippies“ in den ersten Reihen mehrfach zu Tode fremdschämte. Das Programm ist also denkbar einfach: Zurücklehnen, Drink genießen, Olli Schulz lauschen. Eine Referenz die sich dabei aufdrängt ist Helge Schneider – zwar geht Olli dessen totale Skurrilität und vollendeter musikalischer Feingeist ab und doch besticht der Musiker durch eine ähnliche Portion Improvisation, Humor und Abgedrehtheit.

IMG_2933Entsprechend gestalten sich die Höhepunkte des schlussendlich fast zweieinhalbstündigen Konzertes: Der Song „Spielerfrau“ vom aktuellen Album „SOS – Save Olli Schulz“ zergeht zunächst in einer minutenlangen, textlichen Improvisation, die den Lebensweg einer Spielerfrau von der Liaison mit Lothar Matthäus bis zum Techtelmechtel mit Uli Hoeneß nachzeichnet und mündet dann in einer spontanen Dieter-Bohlen-Komposition: „Boogie, Boogie, I wanna dance tonight“. Ein älteres Schulz-Lied, das laut Olli als Inspiration für so ziemlich jeden deutschsprachigen Hit der vergangene Dekade diente, reiht unzählige Songfetzen deutscher Popmusik aneinander. Von Silbermond, über Rammstein bis hin zu Herbert Grönemeyer ist alles dabei.

Richtig sprachlos macht Olli sein Publikum dann aber kurz vor der ersten Zugabe, als der Songwriter zu einer zehn minütigen „Hassattacke“ ansetzt, in der er sich zunächst über Youtube-Kommentar-Rebellen auslässt („Wie dumm kann man sein? Wieeeeeeee dummm?“, dann das dämmliche Bühnenverhalten zahlreicher Musiker (der Toten Hosen) in Form von Mitklatschorgien und ausgelatschten Sprüchen („Seid ihr gut drauf?“) auf die Schippe nimmt, ehe auch abgedreht Künstlertypen, Hipster und Radiohead („Oh, wir schweben in einer Blase der Kreativität) ihr Fett wegbekommen. Ollis abschließender Kommentar in Liedform: „Halt die Fresse, krieg en Kind“. Das wirkt keinesfalls aufgesetzt oder gar arrogant, viel eher zeichnet sich Olli Schulz als feinfühliger Beobachter des Kleinstlebens aus, der die Welt eben manchmal mit feinfühliger Ironie und dann mit Hau-drauf-Mentalität aushebelt. Aber: Olli bleibt Olli, authentisch, ehrlich, publikumsnah. Die Singles im Publikum werden kurzerhand verkuppelt – darüber hinaus erkundigt sich Olli nach den Eigenheiten seiner Gastgeberstadt: „Wie sprecht ihr das aus? Konschdanschz – so als hätte man was im Mund?“ Am Ende gibt’s dann passend zum aufgeladenen Datum ein wenig Weltuntergangsatmosphäre „Die Welt hat Geburtstag, komm wir zünden sie an.“ Eine runde Sache, das Konzert. Ein Teufelskerl, der Olli Schulz.

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Nada Surf – Bahnhof Fischbach – Friedrichshafen

Wahrscheinlich hat jeder von uns schon einmal (bewusst oder unbewusst) einen Nada Surf Song gehört. Denn die amerikanische Indie-Trio ist eine echte Institution in Sachen Soundtracks und Werbesongs: How I Met Your Mother, OC California, Die fetten Jahre sind vorbei, Suzuki Werbeblöcke – die Liste ließe sich wohl endlos fortführen. Und das hat seinen Grund: Nada Surf gelingt es seit nunmehr 20 Jahren immer wieder den jeweiligen Indie-Zeitgeist zu erwischen und genau die richtigen Dinge auszusingen und auszuspielen, die man als junger Mensch eben so hören mag. Im ersten Moment klingt das meistens ein wenig naiv – es geht um „Teenage Dreams“ und „Always Love“ – zerkratzt man jedoch die Oberfläche, finden sich (vor allem live) immer wieder clevere Denkanstöße und Arrangements, die das klassische Indie-Schema auf den Kopf stellen. Böse Zungen würden wohl behaupten, Nada Surf sind bessere Fahrstuhlmusik, Fanboys/Girls entgegnen, Nada Surf spiele die perfekte Musik für den perfekten Moment. Wie sooft liegt die Wahrheit wohl irgendwo in der Mitte.

Vorbands sind ja oft wie Kinowerbung. Irgendwie gehören sie dazu, aber trotzdem ist man froh, wenns dann mal los geht: Ganz anders am Sonntagabend: Die laut-leise Variationen und der überragenden Drummer der Tall Ships, sowie der komplett verschrobene, dylaneske Auftritt des Songwriters Ezra Furman verleihen dem Konzert im Bahnhof Fischbach Festivalcharakter, ehe Nada Surf ihren ersten Akkord geschrammelt haben. Besonders Furman spielt eine denkwürdige Show: Der junge Mann wirkt irgendwie jenseits von allem und singt dabei einmal wunderbarst glockenklar, nur um im nächsten Song die eigene Stimme so absolut zu verzerren, dass es einem eiskalt den Buckel runterrutscht. Furman ist unglaublich talentiert und unglaublich verschroben und vermutlich auch unglaublich besoffen und genau in dieser Dreistirnigkeit begeistert sein kurzes Set nachhaltig. Seine finale Ansage ist nicht nur wunderschön, sondern charakterisiert seine Musik auch perfekt: „I don´t want you to think that I´m cool or strange. I just wan´t you to follow the love with me forever.“ This kid can play!

Der Hauptact himself bläst gleich eine ordentliche Portion Energie in die gut gefühlte Bahnhofshalle. Während der ersten fünf Songs gibt es kaum Verschnaufpause und Nada Surf genießen es augenscheinlich, nach zahlreichen Unplugged-Shows wieder bedingungslos in Seiten greifen zu dürfen. Unterstützt wird das New Yorker Trio von einem zweiten Gitarristen, der dem Sound ordentlich Schmackes verleiht und vor allem „Waiting For Something“ zum frühen Highlight aufbläst. Selbst Frontmann Matthew Caws, der sich oft ein wenig hinter dem Charisma seines Bassisten Daniel Lorca versteckt, ist richtig gut aufgelegt: „Ich bin eine sehr faule Person, mit großen Ambitionen. Aber ich habe so viele Sonntagabende auf dem Sofa verbracht, da fühlt es sich super an, mit euch heute Abend etwas gutes zu tun.“ Überhaupt zeigt sich die Band in guter Form und spielt über fast zwei Stunden ein teilweise etwas eintöniges, aber zu keinem Zeitpunkt langweiliges Konzert. Die Zugabe ist dann wirklich formidabel: Zuerst klimpert die Band noch eine relativ gesittete Version ihres Hits „Always Love“, ehe sie „Blankest Year“ wunderbar clever und energetisch zu einem Monster zerspielen. Nachdem die ursprüngliche Versions à la Strophe-Refrain-Strophe-Refrain zu Ende geht und der Song nur noch leise vor sich hin pumpt, greifen Nada Surf zum musikalischen Defibrillator und wiederbeleben das Stück in einer minutenlangen Jamsession, aus der sich dann zunächst das markante Riff und dann der gegrölte Refrain herausschält. Fuck it, i´m gonna have a party!

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I Am Oak – Kulturladen Konstanz

Den Holländern, wir alle kennen die Klichées, werden ja eine ganze Reihe von Dingen und Angewohnheiten nachgesagt: Sie reisen in Wohnwägen, verkaufen Tulpen und Käse und tragen Holzschuhe. Sie können nicht kicken, spuckten Rudi Völler in die Locken und nerven als Moderatoren in deutschen Fernsehshows. Weniger bekannt waren unsere Nachbarn bislang für Berge (das wird sich in naher Zukunft wohl auch nicht ändern) und aufregende Indie-Folkbands. Letztere Aussage allerdings muss man wohl spätestens seit dem Jahr 2010 mit allem Nachdruck relativieren. Da nämlich brachte die Formation I Am Oak zunächst als Soloprojekt des aus Utrecht stammenden Musikers Thijs Kuijken ihr Debütalbum „On Claws“ auf den Markt und stürzte die gesamte heimische Fachpresse in nicht enden wollende Jubelströme. Die Vergleiche mit Genre-Göttern wie Sufjan Stevens und vor allem Bon Iver folgten auf dem Fuß und man hat bis heute das Gefühl, dass ganz Holland stolz auf seinen schüchternen Helden ist. Zurecht. Nachdem im Kulturladen die Localheros von Music Is Her Boyfried, ein sympathisches Mädchenduo, das umgehend Boy-Assoziationen hervorruft, die Bühne warm gespielt haben, schlurft Thijs Kuijken auf ebendiese. Der Look des Schlaks erinnert ein wenig an Harry Potter, seine Bühnenpräsenz und Arrangements an Zach Condon von Beirut, während seine zärtliche, beinahe zerbrechliche Stimme ein wenig nach Conor Oberst klingt. Alleine die bloße Masse an Referenzen offenbart, inwiefern sich Folk gewandelt hat: Die Musikrichtung, die sich einst aus den Blues und Country-Korsetten schälte, wurde durch die gesamte Musikhistorie hindurch stiefmütterlich behandelt. Heute aber gilt Folkmusik offiziell als „cool“ und ist in Form von Bon Iver oder den Mumford&Sons beinahe beängstigend erfolgreich. Folk ist der Soundtrack der Hipsters (frei jeder Wertung).



Thijs Kuijken indes kann mit dem ganzen Trubel so gar nichts anfangen (siehe Video) und versteht sich trotz Hornbrille nicht als Hipsteridol und musikalischer Outlaw. Kuijken will Musik machen, nicht mehr und nicht weniger – in seinem eigenen, kleinen, verkopften Universum: „Ich habe nicht das Gefühl, dass ich irgendwie meine Meinung zu globalen, großen Phänomenen oder politischen Themen formulieren sollte. Global heißt für mich eher: Universelle Gefühle transportieren, mein Mensch-sein beschreiben.“ Thijs singt nicht für die großen Bühnen. Er schreibt den Soundtrack für Mikrokosmen. Für die Welt in der Nussschale. Seit den Aufnahmen zu „Nowhere Or Tammensaari“ irgendwo im finnischen Niemandsland gilt I Am Oak offiziell als Quintett, in Konstanz tritt die Thijs-Truppe allerdings als Trio auf. Gitarre, Schlagzeug, Bass – die klassische Punkrockbesetzung. Das ist für eine Folkband durchaus ungewöhnlich und entsprechend reduziert klingt der Sound der Band. Das ist ein wenig schade, denn auf Platte sind es gerade die Sekunden der gefühlten instrumentellen Variation – Streicher, Hammond-Orgel, Chöre – die für die besonderen I Am Oak-Momente sorgen. Die anfängliche Enttäuschung weicht schnell, als deutlich wird, dass es Thijs Kuijken gelingt eben aus dieser konventionellen Besetzung eine tiefe Sehnsucht und musikalische Schönheit zu schöpfen. Größe durch Verkleinerung.

Kuijken greift im Wechsel zur abgeranzten Straßenmusikerklampfe und zur smaragdgrünen Rockstargitarre und dabei schwingt das Konzert zwischen brüchigen Folkkompositionen und kräftig, jaulenden Bluesbrechern. Die Übersongs „Trees and Birds and Fire“ und „Palpable“ bilden dabei eindeutige Ausreißer, die sich vor keiner Konkurrenz verstecken müssen – mehrschichtig, eingängig, fragil.Die letzten Songs zerfließen in einer minutenlangen post-rockigen Explosion, ehe sich Thijs Kuijken mit letzter Kraft und schwer lädiert für eine letzte Solo-Nummer auf die Bühne schleppt. Das Konzert endet eigentlich viel zu früh – doch das muss man I Am Oak nachsehen: Ihr schwächlicher Frontmann ist nicht gemacht für Rock´N´Roll, für große Rahmen – und genau das ist das besondere.

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Boy – Kulturladen Konstanz – 02. April 2012

Erstmal schwelgen: Boy klingen nach Sommer und nach Sommerregen wenn es dann doch zu heiß wird, nach Tagen, die eigentlich niemals enden sollten, nach durchzechten Nächten und der aufgehenden Sonne und nach Zeiten, an die man sich ewig zurückerinnert.

Zu Beginn des Konzerts gibt’s aber erst mal ordentlich auf die Glocken: Zwei Schlagzeuger schlägern mit voller Kraft auf mächtig Klangbauten, während am linken Bühnenrand eine Oldschool-Orgelburg den wacker auf sich klimpernden Keyboard-“boy“ (sorry!) beinahe komplett verschluckt. Ganz schön düster, denkt man sich da, als zwei Schatten aus der Bühne wachsen. Und plötzlich ist da so ein zärtliches Licht im Dunkel. Und es klingen die Melodien, die im vergangen Jahr so nachhaltig auf sich aufmerksam gemacht haben…

Jeder Popjahrgang wird von Fachjournaille unweigerlich in Rollenbilder gequetscht, die einen umgehend an die Grundschulzeit erinnern: Da gibt es die strebsamen Aufsteiger, die hartnäckigen Oldies, die krampfhaft Experimentellen, die One-Hit-Wonders und die stylischen Kultfiguren. Doch in jedem Musikjahr schält sich im Laufe der Monate dann meist Akt besonders hervor: Der Klassenprimus, „Die Popsensation des Jahres!“. Und so waren es 2011 die eingangs erwähnten Damen, die unter dem Namen „Boy“ irgendwie urplötzlich allgegenwärtig waren und gleichermaßen zu Feuilleton- wie auch Fanlieblingen avancierten. Zurecht. Denn zu ausgereift und verspielt klang ihr Debüt „Mutual Friends“, als dass man es hätte überhören können, zu sympathisch präsentierten Valeska und Sonja in der Folge ihren Folk-Pop, als dass man sie hätte übersehen können. Es entstand ein Erfolgstsunami, die auch nach Konstanz schwappte. Das Boy-Konzert im Kulturladen war in Rekordzeit ausverkauft.

Kurzer Einwurf der besorgten Elternpartei deutscher Hausfrauen (BEPdH):

Zum Beweis, welchen angsteinflössenden Einfluß Bands wie „Boy“ auf die heutige Jugend haben.

Mein Tagesablauf (*):

6:458:15 Aufstehen-Boy hören

8:1512:00 Schule

12:0013:00 Boy hören

13:0016:45 Schule

16:45 17:00 nach Hause fahren- Boy hören

17:0018:30 Songs von Boy spielen *essen*

19:0019:30 Videos von Boy anschauen

19:3021:30 Songs von Boy lernen

22:306:45 Von Boy träumen!

(*) Zitat: Guitarsurfgirl1, Youtube Kommentar unter dem Musikvideo zu „Waitress“, insgesamt geliked von 157 Personen. (Stand: 03.04.2012)


Und so drängt sich das Publikum bereits vor Konzertbeginn in allen Ecken, stellt sich auf Bierkisten oder blinzelt zwischen zwei Boxen hindurch, um irgendwie einen Blick auf die Bühne erhaschen zu können. Selten hat man derartig viele junge Frauen auf so wenigen Quadratmetern zusammengequetscht gesehen.

Die federleichten Kompositionen des zum Sextett erweiterten Duos kommen live ein wenig verbissener daher. Das liegt zu einem am mächtigen orchestralen Unterbau, zum anderen an Bühnenaufbau-Atmosphere: Zunächst zergeht die Band in dunklen Schatten, dann ist die komplette Bühne in blutrot getaucht, ehe nackte Glühbirnen den Kulturladen im Stile von Horrorfilmen auslodern.


Im weiteren Verlauf gewinnt das Konzert mehr und mehr an Dynamik, der Funke springt endgültig über. Auch den lautstarken Dialog mit einigen angetrunkenen Hipsters meistern die beiden Ladys mehr als charmant. Ganz alleine, also eigentlich zu zweit wissen Boy dann irgendwie noch besser zu gefallen und müssen sich in dieser Form und mit Hits der Marke „Waitress“ und „Seven Little Numbers“ vor keiner Folkband der Welt verstecken (um das Ganze mal im Fussballerjargon aufzuzeigen). Tatsächlich müssten Boy, falls Folk in den nächsten Wochen olympisch wird, wohl definitiv im Sommer für Deutschland gen London ziehen.

Und dann am Ende, nachdem „Boy“ ihre Vorzeigeballade „Skin“ in einem akustischen Überzug inklusive Melodika-Solo in den Kula hauchen, erstrahlt nicht nur die Kulturladen-Bühne in flackernden Glühbirnenlicht. Nein, alles ist erleuchtet. Und als Zuhörer tritt man mit wohlig erwärmten Herzen den Heimweg an.

Weitere erstklassige (und garantiert professionellere Bilder) könnt ihr euch hier: http://bjoernjansen.com/blog/2012/04/03/boy-live-im-kula-konstanz-2012/ anschauen!

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